Descrierea tabloului „Fân de la Giverny”. Claude Monet. Peisaje maritime

11 septembrie 2012

„Pânzele sunt orbitoare și, fără îndoială, mâna maestrului se simte în ele” Pissarro

Mocuri de fân, sfârșitul verii în Giverny

1890-1891; 60x100 cm
Muzeul d'Orsay, Paris

Tema stivelor în pictură nu este nouă; înainte de Monet, era deja folosit de Millet, Gauguin, Pissarro și Van Gogh, fiecare în felul lui. Monet introduce două elemente inovatoare: o serie tematică și un mod de a vedea lumina. Cu ajutorul unei serii organizate sistematic, putem lua în considerare același motiv în iluminarea variată în funcție de momentul zilei.

Monet vrea să arate trecerea timpului în picturile sale. El scrie: „Am lucrat noua serie, deși în această perioadă a anului soarele apune repede, că nu pot ține pasul cu el... Acest lucru mă duce la disperare, dar de fiecare dată sunt convins de necesitatea și justificarea suferinței mele. Pot găsi ceea ce caut: variabilitatea trecătoare a luminii care acoperă vegetația de pretutindeni.”

Carul de fân lângă Giverny

BINE. 1889; 60,5x81,5 cm
Muzeul Pușkin, Moscova

În 1888, Monet face studii despre carurile de fân de lângă Giverny. Un an mai târziu, revine pe această temă în perioada de suferință. De câteva luni, Claude muncește din greu. Pictează câmpuri luminate de ultima strălucire a verii, aceleași câmpuri - roșu-roșu toamna, și chiar mai târziu - acoperite cu zăpadă. Pentru unele imagini, poate dedica doar aproximativ 15 minute pe zi (iluminarea pe care o alege se schimbă atât de repede); se întoarce la ei în fiecare zi la aceeași oră. Devine furios și nervos când nu reușește să obțină efectul dorit, chiar distruge pânzele...

Lucrările la „” sunt întrerupte din cauza „Olympiei”. În 1889, Monet a primit ideea de a cumpăra acest tablou de la văduva Manet pentru a-l dona Luvru. El anunță o strângere de fonduri, care este susținută mai întâi de dr. Bellio, care este îndrăgostit de impresionism. Timp de câteva luni, Monet își dedică tot timpul și energia promovării cauzei Olympiei; consideră că este de datoria lui faţă de memoria lui Manet. S-au strâns două sute de mii de franci, iar în noiembrie 1890 Olympia a fost donată Muzeului din Luxemburg. Pictura a apărut la Luvru abia în 1907.

Impresii Portocaliu și Albastru; Grămadă

1891; 73x92 cm
Colecții private

Monet, cufundat în această chestiune, aproape că nu a avut timp de pictură. În plus, vara anului 1890 a fost înnorat și ploios. Începutul „” sa încheiat deja în atelier. Monet adaugă din memorie tonuri de portocaliu, albastru și violet-roz.

Știri din lumea artei

Claude Monet. Carul de fân în soarele de seară, 1891

O descoperire internațională a fost făcută în lumea artei. Cercetătorii de la Universitatea finlandeză din Jyväskyli, Facultatea de Tehnologii Informaționale Matematice, au dovedit că pânza, care face parte din colecția Muzeului Serlachius numită „Hack in the Evening Sun”, aparține impresionistului Claude Monet (1840-1926) . Au reușit să afle că sub stratul de vopsea se ascund semnătura artistului și anul de finalizare a lucrării - 1891. Analiza pigmenților și fibrelor pânzei a confirmat paternitatea lui Claude Monet.
Acest tablou a fost achiziționat mai devreme la Londra ca o lucrare de Monet. A expus la Grafton Gallery la Impressionist Sale. Apoi, timp de mai bine de jumătate de secol, pânza a fost deținută de Fundația de Artă Gösta Serlachius și a fost expusă ca pictură, probabil de Monet. Cu toate acestea, până acum nu a fost posibil să se confirme calitatea de autor din cauza absenței semnăturii artistului pe acesta. Nu există alte picturi ale lui Monet în colecțiile publice finlandeze care să fi fost autentificate.
Costul picturii, al cărui autor este stabilit, este greu de estimat, dar lucrările lui Monet au mers la licitații de milioane de euro. În toamnă „Haystack in the Evening Sun” va merge la Aarhus (Danemarca) la expoziția „Monet și impresioniștii francezi”.

Semnătura lui Claude Monet pe tablou

Seria Haystacks este una dintre cele mai faimoase din opera lui Monet, alături de ciclurile Nuferi și Catedrala din Rouen, create în diferite perioade ale anului în diferite condiții de iluminare. „Hacks” include aproximativ 25 de pânze care au fost pictate lângă casa artistului din Giverny. Monet a observat căile de fân în timp ce mergea și a rugat-o pe fiica sa adoptivă Blanche Goshede să-i aducă două pânze pentru vreme înnorată și senină. Dar apoi și-a dat seama că acest lucru nu ar fi suficient pentru a descrie toate efectele luminii. Prima stivă a fost pictată de Monet în 1865.

Claude Monet. Stocuri de fân la Chailly, 1865

Artistul a lucrat la acest subiect într-un mod ciudat: a început să picteze o vedere în același timp pe mai multe pânze. Monet a vrut să transmită starea naturii în perioadă scurtă timp, așa că a lucrat pe o singură pânză, uneori nu mai mult de jumătate de oră. În zilele următoare, a continuat să picteze în aceeași succesiune până când toate pânzele au fost finalizate. În 1886, Monet a continuat să lucreze la ciclu.

Claude Monet. Carul de fân la Giverny, 1886, Hermitage

Claude Monet i-a scris de la Giverny lui Gustave Geffroy: „Lucrez din greu la o serie de carpi de fân în diferite lumini, dar în această perioadă a anului soarele apune atât de repede încât nu pot să țin pasul cu el. Am început să lucrez. atât de încet încât ajung la disperare, dar cu cât merg mai departe, cu atât văd mai clar câtă muncă trebuie să fac pentru a transmite ceea ce vreau să surprind: „instantaneitatea” și, cel mai important, atmosfera și lumina revărsate în ea.Acum sunt din ce in ce mai dezgustat de tot ce se face prea usor si grabit.nevoia de a transmite ceea ce simt devine din ce in ce mai insistenta.Ma rog lui Dumnezeu sa am capacitatea de a lucra cat mai mult timp,pentru ca mi se pare ca eu că voi reuși în continuare.”

Claude Monet. Stive, 1890

În toamna anului 1890, Monet a aranjat ca cariile de fân situate în apropierea casei sale să fie lăsate pentru iarnă. În următoarele câteva luni le-a scris toamna, iarna, primăvara. Începând să lucreze în aer liber, Monet a terminat fiecare pânză în atelierul său, obținând armonia culorilor care conferă tabloului complet.

Claude Monet. Stiva dimineata, efect de zapada, 1890-1891. Muzeul de Arte Frumoase, Boston

Căpițe de fân. Efectul de zăpadă de dimineață, 1891

Claude Monet. Căpițe de fân. Efectul alb, 1891

Seria Haystacks, care a constat din douăzeci și cinci de pânze, a fost un succes uriaș. În 1891, Monet a expus cincisprezece tablouri din această serie la Galeria Durand-Ruel. Toate tablourile au fost vândute în trei zile. Camille Pissarro, într-o scrisoare către fiul său Lucien, scria: „Ei cumpără doar lucrările lui Monet, se pare că nu sunt de ajuns. cinci sau șase mii de franci.

Claude Monet. Stocuri de fân la apus, 1891

Stivele descrise în picturile lui Monet arată neobișnuit datorită modului special de depozitare a cerealelor. Sunt formate din spice de grâu acoperite cu paie pentru a le proteja de ploaie. Această metodă de conservare a cerealelor în Normandia a apărut din cauza lipsei de treieratoare la mijlocul secolului al XIX-lea. Deși recolta a fost recoltată încă din iulie, de multe ori spicele ultimilor căței de fân de la unele ferme nu au fost măcinate decât în ​​martie a anului următor. Această metodă de stivuire a fost folosită timp de o sută de ani, înainte de apariția secerătoarelor.

Claude Monet. Mocuri de fân la sfârșitul verii. Efectul de dimineață, 1891

Claude Monet. Carul de fân pe câmp, 1893

Claude Monet și-a definit foarte exact rolul în istoria artei, spunând: „Întotdeauna am fost inspirat de oroarea teoriei... Singurul meu merit este că am scris direct în natură, încercând să transmit cele mai trecătoare efecte pe pânză. , și sunt disperat, ceea ce a dat motive să îi numesc pe impresioniști un grup de artiști, dintre care cei mai mulți nu aveau nimic de-a face cu impresionismul.

Astfel, artistul, care este considerat „părintele impresionismului” și care spunea: „Pentru noi a picta tablouri este la fel cu a cânta pentru păsări”, și-a definit la sfârșitul vieții punctul de vedere asupra direcției în artă. , care se bazează exclusiv pe impresii vizuale și transferul celor mai mici modificări de culoare și formă sub influența luminii.

În anii 1880, diverși artiști a căror activitate este asociată cu impresionismul încep să aleagă pentru ei înșiși alte forme, metode de pictură. Așadar, Camille Pissarro experimentează cu neoimpresionismul, Auguste Renoir călătorește în Italia și se alătură unui stil mai clasic, iar Claude Monet preia creația de lucrări în serie.

În ciuda faptului că artiștii au creat în orice moment o serie de schițe ale unei scene, cicluri de lucrări, înainte de Monet nu a existat nimeni care să fi pictat același obiect de mai multe ori în condiții de iluminare diferite și condiții meteorologice diferite. Prin urmare, este interesant de urmărit cum, de-a lungul vieții lui Claude Monet, atitudinea sa față de obiectele reprezentate s-a schimbat.

Ideea seriei, care erau destinate să devină capodopere ale picturii, a început să prindă contur după ce a scris mai multe priveliști ale grădinii Tuileries și ale gării Saint-Lazare din Paris.

Gradina Tuileries. 1876

În 1876, Monet s-a mutat cu familia la Paris, unde a reușit să găsească un apartament chiar lângă gara Saint-Lazare. Un an mai târziu, el scrie o serie de vederi ale acestei stații.

Seria Gara Saint-Lazare

În 1877, locomotiva încă mai stârnea inimile ca un mare miracol al științei; a-l scrie însemna a opune realitatea modernității formelor și compozițiilor tradiționale. Artistul a vrut să arate că până și o mașină neagră și un baldachin negru deasupra unei platforme pot fi scrise convingător în albastru, că pământul gri poate fi perceput ca verde și că până și fumul poate deveni un motiv de lumină.

În ciuda naturii statice a intrigii, imaginea transmite perfect puterea, spațiul, contrastele și mișcarea. Cu toate acestea, accentul polemic din ea prevalează asupra percepției libere inerente picturilor lui Monet scrise înainte de 1870.

Trenurile erau atractive pentru Monet, deoarece personificau mediul material în continuă schimbare al lumii. Și dezvoltarea intrigii într-o serie a transmis un sentiment al ritmului unei noi vieți, care a fost creat de variații ale intrigii atunci când au fost luate în considerare secvenţial la expoziție.

Artistul nu a fost interesat de gara ca loc de întâlnire sau despărțire de oameni; era fascinat de efectul luminii revărsate prin acoperișul de sticlă asupra pufurilor de abur, a formelor locomotivelor și vagoanelor.

Este important ca în seria „Gare Saint-Lazare” picturile să se completeze, să fie interconectate. Acesta este ceea ce a distins seria ca un fel de unitate concepută de orice alt grup de peisaje pictate în același loc, dar independent unele de altele.

Dar remarcăm o caracteristică importantă: ideea seriei nu este încă exprimată la fel de clar ca în lucrările târzii ale lui Monet. Adică toate tablourile au înfățișat aproximativ același lucru, dar locația, punctul de vedere al artistului, s-a schimbat.

Monet a scris următoarea serie semnificativă numită Haystacks în 1891 și a constat din 22 de lucrări. Începutul a fost pictura „Haystack at Giverny” în 1886.

Carul de fân la Giverny. 1886

Se poate observa o caracteristică demnă de remarcat - utilizarea construcției compoziției conform planurilor, pe care Claude Monet le respinsese anterior. Aceasta este o tehnică veche, tradițională, pentru desfășurarea unui peisaj de la întuneric la lumină.

Seria „Hacks”. 1888 - 1889

Seria „Hacks”. 1890 - 1891

Picturile din seria Haystacks conțineau un anumit compromis între tradiția peisajului consacrată și noua schemă de culori. Colegii lui Monet le-au luat ca pe o concesie la gustul publicului, iar colecționarii au simțit imediat o nouă nuanță în opera artistului și s-au grăbit să-și cumpere Stacks. Astfel, cunoscut anterior doar unui cerc restrâns de colecționari și critici parizieni, stilul de pictură al lui Claude Monet a început să cucerească lumea.

Această serie se caracterizează prin indiferența deja tot mai mare a artistului față de subiectul reprezentat. El caută cele mai simple forme, care servesc doar ca pretext pentru studiul luminii.

Având în vedere opera ulterioară a lui Monet, trebuie să ne imaginăm la ce schimbări grandioase în viața societății a fost martor. În tinerețe, a respirat aerul vieții metropolitane, dizolvat în ea, captând semnele acesteia. La bătrânețe, fiind un pictor recunoscut, s-a închis între zidurile casei sale din Giverny, creând acolo tablouri care erau toate destinate aceluiași Paris.

Seria de lucrări a lui Monet nu mai era concepută de el ca o reacție la ceea ce a văzut, a învățat, ci ca manifestare personală în viața artistică a Parisului, când vernisajul era un eveniment care trebuia să-i entuziasmeze pe mulți, să-i facă să gândească și să vorbească. . Creșterea principiului subiectiv în opera târzie a lui Monet nu este doar o evoluție a modului său ca atare, ci este un răspuns la mediul obiectiv al artistului.

S-au creat legende în jurul lucrării la serial, pe care Monet însuși nu se grăbea să le distrugă. Și se presupune că este cunoscută amintirea lui Monet însuși despre cum a apărut însăși ideea de a scrie o serie. Artistul a lucrat în natură, dar deodată a văzut că iluminatul s-a schimbat atât de mult încât nu a mai putut continua pânza pe care o începuse. Monet și-a cerut fiicei să fugă acasă și să aducă una nouă, dar după un timp totul s-a schimbat atât de mult încât a fost nevoit să înceapă din nou o pânză nouă în același loc etc.

Deci a existat ideea că o serie de picturi cu un singur motiv este cea mai mare realizare în acuratețea observației, fixând momente individuale. Conform acestei idei, o serie de picturi este o serie de momente statice, înghețate, ale existenței naturii. Acel sentiment de variabilitate, starea de tranziție a naturii, care s-a imprimat în pictura impresionistă timpurie, în percepția seriei a apărut atunci când pânzele au fost examinate succesiv una după alta. Nu întâmplător artiștii au căutat să le expună ca un singur ansamblu.

De la începutul anilor 1990, gravitația lui Monet către producția de serie a crescut rapid. În acel moment, alți impresioniști, Camille Pissarro și Alfred Sisley, se îndreptau și ei către seriale peisaj. Însă în seria sa, Monet s-a străduit să-și creeze propriul stil de pictură, mai rafinat și mai expresiv decât setul de tehnici care pot fi numite stil impresionist de pictură.

Tehnicile noului său stil de pictură sunt dezvăluite deja în următoarea serie de Plopi, care gravitează spre compoziția decorativă.

Seria Plop

Deși șirul de plopi este redat într-o anumită reducere de perspectivă și, parcă ar trebui să intre în profunzimile tabloului, ochiul privitorului nu urmărește dezvoltarea spațială, ci alunecă de-a lungul planului tabloului. Nu există sentimentul unui moment „capturat”. „Plopii” sugerează mai degrabă eternitatea și constanța naturii, decât variabilitatea ei.

De la „Plopi” artistul trece la o temă care pare să-l întoarcă din nou la observarea jocului capricios și schimbător de lumini și umbre, a trecerii timpului – scrie seria „Catedrala din Rouen”.

Seria „Catedrala din Rouen”

În februarie 1892, Claude Monet a mers pentru câteva zile la Rouen, unde uriașii ziduri vestice ai catedralei au atras atenția artistului. Nu era interesat de modul în care lumina se reflecta pe modelul complicat al fațadei. Artistul a văzut din nou aici aceeași strălucire vie și nenumărate modificări ale efectelor luminii, ca pe cățile de fân, dar mai impresionante pe formele arhitecturale înghețate.

Ducând la îndeplinire planul său grandios, Monet a acționat sistematic. Într-o casă din piața din apropierea catedralei, artistul a închiriat o cameră de la fereastra căreia se deschidea o vedere laterală asimetrică a catedralei. Curând și-a mutat tabloul din Rouen la Giverny și și-a petrecut restul anului, iar anul următor s-a dedicat rafinamentului său în atelier, ascunzându-și pânzele de privirile indiscrete. În mod repetat, a distrus pânzele deja finalizate și le-a înlocuit cu altele, restabilind ceea ce a văzut din memorie.

La 10 mai 1895, la Durand-Ruel a fost deschisă o expoziție, care cuprindea douăzeci de imagini ale Catedralei din Rouen. Le-a fost rezervată o cameră specială și au fost așezate după o schemă pe care Monet a dezvoltat-o ​​cu atenție în prealabil - picturile au fost atârnate într-o secvență care reproduce modificările obiectelor în funcție de schimbarea luminii.

Dar răspunsul la Cathedrals a fost similar cu cel al publicului de la Haystacks în urmă cu patru ani. Publicul și-a exprimat dezaprobarea față de artist, care, stând la fereastră, a repetat la nesfârșit motivul aceleiași biserici, aceeași temă. Publicul a văzut în picturile lui Monet aceeași fațadă a catedralei, repetată de douăzeci de ori.

Și atâta timp cât interesul privitorului este îndreptat doar către motivul temei principale, impactul acestei serii rămâne pur extern. Numai luând în considerare în mod consecvent toate variantele temei se poate simți întreaga profunzime a intenției artistului, numai în această condiție se va manifesta întreaga putere a mijloacelor artistice de influență și sensul tratării libere și libere de către Monet a temei, se va înţelege legătura dintre lucrări şi titlurile lor laconice.

Prin urmare, seria „Catedralelor” poate fi privită drept manifestul artistic al lui Monet. Arată la ce putere de influență a putut să-și aducă imaginile, ce efecte diverse a extras din paletă. În plus, în aceste pânze, indiferența lui Monet față de complot a fost dezvăluită mult mai strălucitoare decât înainte.

De-a lungul timpului, plecările lui Monet din Giverny au devenit din ce în ce mai rare. A intrat adânc în muncă în grădina lui. Artistul a acordat o atenție deosebită „peisajelor de apă” - iazuri, care se aflau în diferite părți ale grădinii. Așa că Claude Monet a creat un atelier în aer liber unde și-a putut conduce experimentele artistice.

Acum Monet a înțeles că nu poate lucra decât încet și cu grijă. A simțit o nevoie tot mai mare de timp și singurătate pentru a reflecta asupra scrierilor sale.

Cea mai mare dintre seria de picturi a lui Monet este seria Nymphaeum - un peisaj de apă cu nuferi albi, la care artistul a început să lucreze la începutul anului 1898, iar cea mai mare parte a anului următor a fost plină doar de ea. Apoi a întrerupt-o pentru a face o altă serie, destul de mare – „Thames”.

Aici, Monet și-a îndreptat în primul rând atenția către ceața veșnică de deasupra Londrei, urmărind perspectiva.

Monet a aplicat pe pânză doar contururile fiecărui peisaj, așa cum a făcut la Rouen, lucrând la „Catedrala”. Dar acum căuta contururi moi și tandre. Dacă într-o perioadă anterioară de creativitate artistul a ales motive cu siluete clare, ascuțite ca structură și le-a transferat rapid pe pânză, acum, dimpotrivă, a ales locuri în care obiectele au dispărut în ceață. Vederile Londrei au fost necesare de către Monet doar ca pretext pentru introducerea unui nou limbaj al picturii.

Și așa cum a fost cu „Catedrale”, Monet a intrat adânc în dezvoltarea serialului în studioul din Giverny. După ce a terminat munca la această serie, Monet a prezentat-o ​​în 1904 la Durand-Ruel. Expoziția a constat din treizeci și șapte de pânze, împărțite în trei grupe: „The Houses of Parliament”, „Charing Cross Bridge” și „Waterloo Bridge”.

Camerele Parlamentului

Podul Waterloo

Podul Charing Cross

Și după încheierea expoziției, Monet a continuat să lucreze la seria Londra, creând atât versiuni noi, cât și replici. Ca urmare, seria a devenit prohibitiv de mare și se putea număra până la patruzeci de pânze doar cu Waterloo Bridge.

Când s-a știut că Monet nu și-a finalizat imediat, ci abia mai târziu, în atelierul său, picturile, mulți au fost revoltați de această metodă de lucru. Dispunerea liberă a picturii în atelier era contrară părerii general acceptate despre „percepția instantanee a motivului în natură”. Iar Monet, care cu treizeci de ani mai devreme era acuzat că lucra mereu în aer liber, acum a fost nevoit să asculte reproșurile pentru că lucra în atelierul său.

În anii 1890 apar primele pânze ale lui Monet, care sunt o continuare directă a motivului Tamisa. Acestea sunt aspecte fragmentare în lumină și culoare, care de-a lungul unui deceniu s-au transformat într-o serie de peisaje sub denumirea generală „Nymphaeums” („Nuferi”).

Şederea lui Monet la Veneţia în 1908 marchează următoarea mare pauză în munca cu crinii. La Veneția, artistul face „schițe pentru sine”. Și deja pe baza schițelor pe care le-a adus cu el, Claude Monet și-a creat serialul venețian plin de viață și direct în atelier.

Marele Canal San Giorgio Maggiore

Palazzo Dario Palatul Dogilor

La întoarcerea acasă, artistul este copleșit de pesimism, vederea lui este foarte slabă și a abandonat orice gând la pictură. Dar, la insistențele prietenilor, s-a apucat din nou de muncă și a decis să-și realizeze proiectul grandios. Ideea era ca întreaga serie de patruzeci și opt de „peisaje acvatice” să fie păstrată în întregime și agățată într-o „sală a palatului” deschisă tuturor.

Acest decor mare a fost conceput de Monet ca o singură panoramă; dar mai târziu a hotărât să o împartă în părți, fiecare dintre acestea fiind compusă din trei panouri. De-a lungul timpului, a decis să ofere poporului francez panorama cu nuferi. Voia să fie amplasat într-o clădire publică din Paris, sau, și mai bine, într-o rotondă special construită, pentru care până și el făcuse un proiect.

În vara anului 1921, o serie nesfârșită de panouri se apropia treptat de finalizare. Dar viziunea lui Monet slăbise până atunci și performanța lui scăzuse foarte mult.

De atunci, pictura sa a căpătat o nuanță roșiatică. Lucrările la ultimul panou au fost finalizate în septembrie 1924.

Până atunci, Monet avea deja 84 de ani. A ajuns la sfârșitul marii sale lucrări de zece ani și la sfârșitul lui mod creativ. Seria Nymphaeum a fost ultima creație a impresionismului.

Seria „Ape”

Serialitatea ca nou fenomen al picturii, care a apărut în opera lui Claude Monet, se concentrează pe problema timpului în impresionism. Imaginile-impresii arată momentele „colective” ale vieții, deoarece în ele artistul condensează rezultatele observării peisajului într-o singură imagine vizuală vie.

S-ar părea că motive atât de neremarcabile precum căile de fân, plopii, dar în aceste serii se afirmă valoarea de sine pictura. În același timp, în fiecare serie există o imagine ca simbol al viziunii unui anumit motiv - o imagine materializată și replicată într-o duzină sau mai multe pânze ale întregului ciclu. Când cunoscătorii spun: „Hack”, „Plopi”, „Catedrala din Rouen” - adesea nu înseamnă nici un tablou specific din serie, ei vorbesc despre o imagine generalizată creată de imaginația artistică a lui Monet - o imagine a modului în care se poate vedea, dar nu ce s-a văzut.

Dorința de a exprima inexprimabilul, misterul, sentimentele atât de atotcuprinzătoare încât își pierd caracterul concret și persuasivitatea artistică - toate acestea dezvăluie la Claude Monet același gust din care s-a născut simbolismul. Totuși, acest lucru se manifestă inconștient la artist, întrucât ceea ce rămâne în el de la impresionist îl împiedică să realizeze pe deplin noi idealuri.

* Bohemian K. G., K. Monet. - M., 1984.

* Venturi L. De la Manet la Lautrec / Per. Cu acesta. Ts.Kin. - Sankt Petersburg: Azbuka-klassika, 2007. - 352 p.: ill.

Mocuri de fân la sfârșitul verii. Efectul dimineții 1891
60x100cm ulei pe panza
Muzeul d'Orsay, Paris

Din cartea „Istoria impresionismului” de John Rewald:
Lucrările lui Monet au luat acum o nouă direcție; acest lucru a devenit evident când, în 1891, a expus la Durand-Ruel o serie de cincisprezece tablouri care înfățișează carpi de fân în diferite momente ale zilei. Potrivit acestuia, a presupus la început că două pânze sunt suficiente pentru a transmite un obiect în condiții de iluminare diferite - una pentru vreme înnorată, cealaltă pentru vreme însorită. Însă, în timp ce lucra la aceste căți de fân, a descoperit că efectele luminii se schimbă constant și a decis să păstreze toate aceste impresii pe o serie de pânze, lucrând la ele pe rând, fiecare pânză fiind dedicată unui efect anume. În acest fel, a încercat să obțină ceea ce el numea „instantaneu” și a susținut că este foarte important să nu mai lucrezi pe o pânză de îndată ce lumina s-a schimbat și să o continui pe următoarea, „pentru a obține o impresie exactă a un anumit aspect al naturii, și nu o imagine mixtă.”
Seria lui de stive de fân a fost urmată de serii similare de plopi, fațade ale Catedralei din Rouen, vederi ale Londrei și nuferi care cresc în iazul grădinii sale de la Giverny. Străduindu-se metodic, aproape cu acuratețe științifică, să observe schimbările continue ale luminii, Monet a pierdut imediatul percepției. Acum era dezgustat de „lucruri ușoare care sunt create într-un singur impuls”, dar tocmai în aceste „lucruri ușoare” s-a manifestat darul său de a capta splendoarea strălucitoare a naturii la prima impresie. Tenacitatea cu care a dus acum un concurs cu lumina (în acest sens el însuși a folosit cuvântul „perseverență”) a fost contrar experienței și talentului său. În timp ce picturile sale oferă adesea o soluție genială la această problemă, problema în sine a rămas un experiment pur și a impus restricții severe. Încordându-și ochii pentru a observa cele mai mici schimbări, își pierdea adesea simțul întregului. Ducându-și neglijarea complotului la extrem, Monet a abandonat în cele din urmă forma și a încercat să păstreze doar miracolul lumii în țesătura fără formă a celor mai fine nuanțe.

„Card Players” este o serie de cinci tablouri. Paul Cezanne a creat
această serie la începutul anilor 1890, când locuia în Aix Provence. Lucrările variază
după mărime și după numărul de jucători reprezentați. Cezanne a jucat și el
multe desene în pregătire pentru seria „Jucători de cărți”. Unul dintre tablouri
„Card Players” a fost vândut în 2011 familiei regale din Qatar la un preț de
250 de milioane de dolari până la 300 de milioane de dolari... Cezanne.rf

Dintr-o scrisoare a lui Vincent van Gogh către fratele său Theo: „Uf! Secerătorul este complet. Cred că este
unul dintre lucrurile pe care le agăți în casa ta. Aceasta este o imagine a morții în forma în care
așa cum ne arată marea sa carte a naturii, dar am încercat să spun imaginea
stare de spirit „aproape zâmbitoare”. Ea este îmbătrânită în galben - palid și deschis
-galben, cu excepția liniei violete a dealurilor și asta mi se pare drăguț
amuzant - priveam peisajul prin fereastra cu gratii a unui singuratic.
- Van Gogh.rf