Vad är det absurda? Absurditet i teatern Teater av det absurda i livskonceptet

Det är svårt att argumentera med påståendet att denna "galna, galna, galna" värld har blivit lite tokig. Och om någon annan tvivlar på det, bör du titta på minst en av de fantastiska filmerna som samlas i denna "topp tio". Det är dock inte förvånande om någon vill se eller revidera alla filmer. Du kommer definitivt inte ångra det!

1. Filmen "Love and Death"

regissören Woody Allen
Utan tvekan en kultkomedi från mästaren i denna genre, Woody Allen. Bara en källa av gnistrande och samtidigt intellektuell humor om ett mycket intressant ämne. Och ämnet är följande. En viss rysk markägare från en distriktsstad försöker på alla möjliga sätt undvika uppmaningen att slåss mot Napoleon. För allt han har i sin arsenal är en lång och vass tunga. Oöverträffad selvironi, filosofi för dummies, politik och återigen politik - gjorde denna film för alltid älskad, särskilt i vårt land. Oavsett om hjälten lyckades undvika armén eller inte, se själv.

2. Filmen "Log"

regissör Jan Schwankmeier
En liknande nivå av surrealism finns kanske bara i Lynch. Jan Schwankmeier översatte en tjeckisk skrämmande berättelse till skärmspråk och det ser roligt ut. Av hopplöshet hade ett ungt barnlöst par en idé att ha en stubbe av ett träd istället för ett barn ... Som växer snabbt och äter mycket, och det äter allt. Även en person för en söt själ. Och om de nygjorda föräldrarna tar hand om sina stockar på alla möjliga sätt, uppmärksammar deras underbara grannar tvärtom inte sin "levande" dotter. Som de säger är kontrasten uppenbar.

3. Filmen "Klänning"

regisserad av Alex Van Warmerdam
Hur ibland beundrar skaparnas fantasi, i vilken utsträckning deras visualisering når! En vanlig klänning, även i ljusa färger, men vilken rörelse runt den! Folk blir bara galna, river sönder honom, och ändå pressar det alla till galenskap. Det upphetsar vissa, leder till andras död, men vid första anblicken är det bara en trasa. Vad händer med honom härnäst?

4. Filmen "City of Zero"

regissören Karen Shakhnazarov
Handlingen i filmen verkar ha kopierats från någon roman av bröderna Strugatsky, där hjälten befinner sig i en okänd stad, där allt är toppigt, olika begrepp och helt annan moral. Som i en biblisk liknelse presenteras han med huvudet på ett fat, bara huvudet är inte någon annans, utan han själv ... Och det finns bara en väg ut, du måste snabbt vänja dig vid det för att inte gå galen. Det finns dock också visdom i filmen. Som i slutändan kommer att dras isär av alla och olika.

5. Film "Utredning i fallet medborgare bortom all misstanke"

regissör Elio Petri
En film som vann en Oscar. Komedi! Inte ett judiskt drama eller ett hårt krig. Bara detta tyder på att han är värd något. Och det finns verkligen något att se. Tänk dig - hjälten dödar sin kvinna, lämnar bevis och går till kapitulation för polisen. I alla andra fall skulle han redan ha dömts, men så var inte fallet. Faktum är att han själv är polischef och ingen vill ens föreslå att det var han. Vem har sagt att han vill gå i fängelse? Inte alls, han har andra planer ...

6. Filma "Firemen's Ball"

regisserad av Milos Forman
Den sista filmen av den berömda tjeckoslovakiska regissören filmad i sitt hemland. Och när man vet detta kan man redan anta vad som kunde ha tagit eld i dem. Att all denna röda absurditet, den här allvarliga cirkusen är som en spegel av den kommunistiska regim som landet levde i då. Modiga killar, utmärkta brandmän bestämde sig verkligen för att hålla sin egen skönhetstävling på semestern!

7. Filmen "Svart katt, vit katt"

regissör Emir Kusturica
En gnistrande, ohämmad, galen komedi från geni Kusturica! Zigeunarkul kommer också att väcka de döda från graven, och vad gör det med de levande ... Här skjuter de och sjunger samtidigt, de älskar och stjäl brudar, och de kommer inte att göra någonting för pengarnas skull. Två gamla maffior sover snabbt medan deras barn bråkar rasande. Men för de unga lycka kommer de naturligtvis att vakna.

8. Filmen "Doktor Strangelove, eller hur jag lärde mig att inte oroa mig och älska atombomben"

regissören Stanley Kubrick
Intellektuell, men inte mindre absurd komedi från kultregissören Stanley Kubrick. Föreställ dig en mycket verklig situation: landet påstås vara i fara och en militärgeneral skickar kärnvapenbombare till sin fiende. Men faran är imaginär, och planen är redan i luften som närmar sig fiendens gränser. Och då visar det sig också att fienden har ett automatiskt svar - och landet som skickade bombplanen kan ha raderats från jorden till helvetet ... Har du föreställt dig allvaret i situationen? Det här är en tragedi! Men inte i det här fallet.

9. Filmen "Castle"

regissören Alexey Balabanov
Filmen är naturligtvis baserad på den berömda romanen av Franz Kafka. Hjälten som anländer till sin destination upptäcker att ingen väntar på honom och ingen behöver honom här. Metaforiskt sett ett slott under ett slott. Men nyfikenheten griper honom, han bestämmer sig för att stanna här och försöka ta reda på vad det är. Stannar så länge att han till och med lyckas gifta sig. Men det är aldrig meningsfullt. Eller tittar han bara ouppmärksamt? En fantasmagoria från Balabanov, ett spöklikt intrig och grumliga karaktärer, en brokig textur av omvärlden, det verkar som att allt finns där. Men var finns svaret då?

10. Filmen "Tootsie"

regissören Sydney Pollack
Allt är väldigt enkelt. Killen lyckas inte få fotfäste i filmbranschen, han tas inte någonstans. Sedan förkläder han sig som kvinna och får önskad roll. Men för att spela måste han sluta vara sig själv. Men han har en flickvän, och hon har naturligtvis en pappa. Hur ska man då vara? Dessutom började pappa plötsligt gilla honom i en ny bild ... En besvärlig situation, eller hur. Och ingen vet vad som kommer att hända när sanningen bryter ut. En galen komedi med Dustin Hoffman och charmiga Jessica Lange.

För dem som vill ha något mer allvarligt har vi samlat ihop.

Detta nya fenomen i teaterkonsten gjorde sig gällande i början av 1950 -talet. spelar "Bald Singer" (1950) och "Waiting for Godot" (1952). De konstiga verken av Eugene Ionesco och Semuel Beckett väckte en het debatt bland kritiker och publik. "Absurdisterna" anklagades för extrem pessimism och förstörelse av alla teaterns kanoner. Men redan i slutet av 1960 -talet. Beckett tilldelades Nobelpriset för pjäsen Waiting for Godot, och Ionescos törst för hunger gick till Comedie Française. Varför har samhällets attityd förändrats i det absurda?

Jag måste säga det under andra halvan av XX -talet. i deras tragiskt pessimistiska syn på världen var representanterna för absurdens teater inte ensamma. I Sartres filosofiska verk, i de litterära experimenten från Faulkner, Kafka, Camus, uttrycktes tanken med ett intensivt uttryck att den moderna människan, som har förlorat tron på Gud, på vetenskapens allmakt eller pågår, har ”förlorat” meningen med livet och lever i väntan på döden. Som Faulkner uttryckte det, "livet är inte en rörelse, utan en monoton upprepning av samma rörelser." En sådan "upptäckt" får människor att känna en förvirring och främlingskap för att inse "absurditeten" i deras existens.

Således överensstämde idéerna från representanterna för den nya teaterriktningen fullt ut med "tidens ande". Till en början skämdes kritiker och publik över den avsiktliga kombinationen av uppenbar tragedi med lika uppriktig ironi, som genomsyrade dramerna i Beckett, Ionesco, Jenne, Pinter, Arrabal. Dessutom verkade det som att ”absurdisternas” pjäser inte kunde sättas upp på scenen: de saknade de vanliga ”fullvärdiga” bilderna, det fanns ingen begriplig intrig, ingen begriplig konflikt och orden radades upp i nästan meningslösa kedjor av fraser. Dessa verk var inte alls lämpliga för realistisk teater. Men när experimentella regissörer tog sig an dem visade det sig att det absurda dramat ger de rikaste möjligheterna till originella scenlösningar. Teaterkonventionen har i "absurdisternas" pjäser avslöjat ett flertal semantiska lager, från de mest tragiska till helt livsbekräftande, för i livet är förtvivlan och hoppet alltid nära.

Och onesco

Eugene Ionesco

Fransk dramatiker med rumänskt ursprung, en av grundarna till absurdismens estetiska trend, en erkänd klassiker av 1900-talets teatrala avantgarde. Medlem av franska akademin.

Ionesco själv (född 1912) har vid upprepade tillfällen betonat att han uttrycker en extremt tragisk världsbild. Hans pjäser "förutspår" omvandlingen av ett helt samhälle av människor till noshörningar ("Rhino" - 1960), berättar om mördare som vandrar bland oss ("Selfless Killer" - 1957), skildrar osäkra utomjordingar från antiworlds ("luftfotgängare" - 1963).

Dramatikern försöker avslöja faran för ett konformistiskt medvetande som helt avpersonaliserar en person. För att uppnå sitt konstnärliga mål förstör Ionesco beslutsamt den till synes harmoniska logiken i vårt tänkande och parodierar den. I komedin "The Bald Singer" återger han den "automatiserade", "klyschiga" världsbilden av sina hjältar, skapar en fantasmagoriaföreställning som avslöjar absurditeten i triviala fraser och banala bedömningar.

Den berömde regissören Peter Brook var en av de första som uppskattade scenmöjligheterna för det absurda dramaet.

I "Victims of Duty" (1953) talar vi om människor som anser sig vara skyldiga att uppfylla statens krav, för att vara lojala medborgare. Pjäsen är baserad på metoden för att omvandla bilder, ändra karaktärsmasker. Denna metod för extern omvandling av en person, som dock inte ändrar dess väsen, utan bara avslöjar sin inre tomhet, är en av favoriterna i Ionescos arbete. Han använder den i en av hans mest kända pjäser, Stolar (1952). Pjäsens hjältinna, Semiramis, framträder nu som gubben till den gamle mannen, nu som hans mor, samtidigt gubben själv, nu en man, nu en soldat, nu en "marskalk i detta hus", nu en föräldralös. Människorna som Ionesco skildrar är offer för livets utilitaristiska mål; de kan inte gå utöver den smala cirkeln av rutin, är blinda från födseln, förlamade av klyschor. Avsaknaden av andliga ambitioner gör dem till fångar som inte vill släppas.

Beckett

Samuel Beckett (1906-1989)

”Vi är skyldiga Beckett några av vår tids mest imponerande och mest distinkta dramatiska verk.” Peter Brook

Irländsk författare, poet och dramatiker. Modernismens representant i litteraturen. En av grundarna till det absurda teatern. Han fick världsberömmelse som författare till pjäsen Waiting for Godot, ett av 1900 -talets mest betydande verk av världsdrama. Pristagare av Nobelpriset i litteratur 1969. Med ett irländskt pass bodde han större delen av sitt liv i Paris och skrev på engelska och franska.

Beckett, till skillnad från Ionesco, är intresserad av en rad olika frågor. Huvudtemat för hans arbete är ensamhet. Becketts hjältar behöver kommunikation, släktingar, men på grund av sin egen struktur (eller världens struktur?) Berövas de dessa nödvändiga saker. Hela livet tittar de in i sin inre värld och försöker korrelera den med den omgivande verkligheten, men deras slutsatser är tröstlösa och deras existens är hopplös.

Så här framträder Vladimir och Estragon inför oss - karaktärerna i tragikomedin "Waiting for Godot". Det var inte av en slump att de befann sig på en öde väg, vars enda tecken är ett vissnat träd. Detta är en symbol för hjältarnas främlingskap från livet. De försöker komma ihåg det förflutna, men minnena är vaga och förvirrade, de försöker förstå vad som ledde dem till fullständig ensamhet, men de kan inte göra detta. Dialogen och de åtföljande handlingarna är konstruerade som en sorglig clown. Vladimir och Estragon är omgivna av oändligt utrymme, en enorm värld, men det verkar vara stängt för hjältarna.

Beckett använder också symbolen för isolering i pjäser som The Game (1954), Happy Days (1961), Krapp's Last Ribbon (1957), vilket avslöjar att hans karaktärers oförenlighet med miljön. "Ingen kommer, ingenting händer" - den här frasen från "Waiting for Godot" blir ledmotivet för Becketts drama, som berättar historien om en man som har tappat sin livsorientering, förvandlades nästan till ett fantom. Själva dramatikerns hjältar är inte riktigt säkra på att de fortfarande finns. Anmärkningsvärt är instruktionen från Vladimir och Estragon, som de ger pojken skickad av Godot: "Säg till honom att du såg oss."

Till skillnad från Ionesco eller Beckett föredrar Mrozek ett nästan realistiskt sätt att konstruera dramatisk handling.

Ett viktigt inslag i Becketts konstnärliga metod är kombinationen av poesi med banalitet. Dramatikern lyfter sedan betraktaren till höjderna i kampen för den mänskliga anden, sedan störtar den i basens avgrund och ibland till och med grovt fysiologiskt.

Becketts pjäser är alltid mystiska: de kräver sofistikerade scentolkningar, så dramatikern personifierade personligen några av hans verk på scenen. Således iscensatt mini-tragedin "The Sound of Footsteps" av författaren i Västberlin. En speciell plats i Becketts verk intas av miniatyren "Decoupling" (1982), skriven speciellt för den berömda skådespelaren J.-L. Barro. I den förbereder en assisterande regissör en artist för en roll i ett av Becketts pjäser. Han kommer aldrig att säga ett ord.

Fru

Zhenet: ”Jag har aldrig reproducerat livet, men själva livet födde mig ofrivilligt eller framhöll, om de redan fanns i min själ, bilder som jag sedan försökte förmedla genom karaktärer eller händelser.”

Jean Genet (1910-1986). Kontroversiell fransk författare, poet och dramatiker. Huvudpersonerna i hans verk var tjuvar, mördare, prostituerade, hallickar, smugglare och andra invånare i den sociala botten.

Den mest extravaganta av representanterna för det absurda teatern är Jean Genet. Som tioårig pojke dömdes han för stöld och hamnade i en kriminalvårdskoloni, där han med egna ord entusiastiskt gick med i en värld av last och kriminalitet. Senare tjänstgjorde han i främlingslegionen och vandrade runt i Europas hamnar. 1942 skickades han till fängelse, där han skrev boken "Our Lady of Flowers"; 1948 dömdes han till liv i exil i en koloni. Många kulturfigurer stod dock upp för författaren som redan var känd vid den tiden, och han fick benådning.

Zhenyas huvuduppgift är att utmana det borgerliga samhället, vilket han fullt ut lyckades uppnå med begåvade men skandalöst chockerande pjäser, som inkluderar "The Maids" (1947), "The Balcony" (1956), "Negroes" (1958) och "Screens" (1961).

J.-P. Sartre stödde "absurdisterna", skrev recensioner av deras pjäser, han äger en bok om Genets liv och arbete.

"The Handmaids" är ett av Genets mest kända dramatiska verk. Den berättar hur systrarna Solange och Claire, levererade av sin älskarinna, bestämmer sig för att ta besittning av hennes egendom genom att förgifta älskarinnan. För detta ändamål förtalar de hennes vän och försöker få honom att gå i fängelse. Men Monsieur frigörs plötsligt och de lömska systrarna avslöjas. Även om handlingen ”antyder” den melodramatiska utvecklingen av handlingen, är ”The Handmaids” byggd på ett helt annat, grotesk sätt. I frånvaro av Madame skildrar systrarna omväxlande henne och förvandlar sig till sin älskarinna så mycket att de glömmer bort sig själva och frigör sig tillfälligt från den oförsvarliga roll som de spelar i verkligheten. Detta är en pjäs om ett liv där dröm och verklighet kolliderar i en ful form. I Genets drama uppträder som regel helt fiktiva, otroliga händelser där den verkliga världen vi känner till är bisarrt förändrad, förvrängd, vilket gör att författaren kan uttrycka sin inställning till honom.

En Rrabal och Pinter

Fernando Arrabal

Spansk manusförfattare, dramatiker, filmare, skådespelare, romanförfattare och poet. Bor i Frankrike sedan 1955.

Den spanske dramatikern Fernando Arrabal (född 1932) i sin ungdom var förtjust i Calderon och Brecht, efter att ha upplevt ett betydande inflytande av dessa författare. Hans första pjäs "Picknick" iscensattes 1959 i Paris. Hjältarna i pjäsen Sapo och Sepo är soldater från två arméer i krig med varandra. Sapo tar Sepo till fånga. Det visar sig att soldaterna har mycket gemensamt.

Båda vill inte döda någon, båda är okunniga i militära frågor, och deltagande i strider har inte avvaktat dem från vanorna i ett fredligt liv: den ena stickar en tröja mellan skjutningarna och den andra gör trasblommor. I slutändan kommer hjältarna fram till att alla andra soldater inte heller vill slåss, och det är nödvändigt att säga detta högt och gå hem. Inspirerade dansar de till munter musik, men för tillfället slår maskingeväret ner dem och gör det omöjligt att uppfylla deras plan. Det absurda i pjäsens situation fördjupas av att Sapos föräldrar, som plötsligt kom till fronten för att besöka sin son, också agerar i den.

Arrabals arbete kännetecknas av motståndet från hans hjältars avsiktliga barnslighet mot grymheten i de omständigheter under vilka de måste existera. Bland dramatikerns mest kända verk är The Two Executioners (1956), The First Communion (1966), The Garden of Pleasure (1969, The Inquisition (1982)).

Harold Pinter

Engelsk dramatiker, poet, regissör, skådespelare, offentlig person. En av hans tids mest inflytelserika brittiska dramatiker. Nobelprisvinnare i litteratur 2005.

Den konstnärliga metoden för Harold Pinter (1930 - 2008), författare till pjäserna "Birthday" (1957), "Dumb Waiter" (1957), "Watchman" (1960), "Landscape" (1969), ligger nära expressionismen. Hans mörka tragikomedier är bebodda av mystiska karaktärer vars samtal parodierar de vanliga formerna för mänsklig kommunikation. Handlingen, byggandet av pjäserna strider mot deras uppenbara trovärdighet. När han tittar på den borgerliga världen som genom ett förstoringsglas, beskriver Pinter på sitt eget sätt lidandet för människor som befinner sig på livets sidlinjer.

Källa - Stort illustrerat ENCYCLOPEDIA

Absurd Theatre - Ionesco, Beckett, Genet, Arrabal och Pinter uppdaterad: 31 augusti 2017 av författaren: hemsida

Begreppet "absurdteater" användes först av teaterkritikern Martin Esslin ( Martin Esslin), som skrev en bok med den titeln 1962. Esslin såg i vissa verk den konstnärliga gestaltningen av filosofin från Albert Camus om livets meningslöshet i dess kärna, som han illustrerade i sin bok The Myth of Sisyphus. Man tror att absurdens teater är förankrad i dadaismens filosofi, poesi från obefintliga ord och avantgardekonst-x. Trots skarp kritik blev genren populär efter andra världskriget, vilket pekade på den stora osäkerheten i människolivet. Begreppet som introducerades kritiserades också, och det fanns försök att omdefiniera det som "antiteater" och "ny teater". Enligt Esslin baserades den absurdistiska teaterrörelsen på uppträdanden av fyra dramatiker - Eugene Ionesco ( Eugene Ionesco), Samuel Beckett ( Samuel beckett), Jean Genet ( Jean genet) och Artyur Adamov ( Arthur Adamov), betonade han dock att var och en av dessa författare hade sin egen unika teknik som går utöver termen "absurd". Följande grupp författare utmärks ofta - Tom Stoppard ( Tom stoppard), Friedrich Dürrenmatt ( Friedrich Dürrenmatt), Fernando Arrabal ( Fernando arrabal), Harold Pinter ( Harold pinter), Edward Alby ( Edward albee) och Jean Tardieu ( Jean tardieu).

Alfred Jarry ( Alfred jarry), Luigi Pirandello ( Luigi pirandello), Stanislav Vitkevich ( Stanislaw Witkiewicz), Guillaume Apollinaire ( Guillaume Apollinaire), surrealister och många andra.

Rörelsen "absurd" (eller "ny teater") har uppenbarligen sitt ursprung i Paris som ett avantgardefenomen förknippat med små teatrar i Latinerkvarteret, och efter ett tag fick det världsomspännande erkännande.

I praktiken förnekar absurdisteater realistiska karaktärer, situationer och alla andra relevanta teatertekniker. Tid och plats är osäkra och föränderliga, även de enklaste orsakssambandet förstörs. Meningslösa intriger, repetitiva dialoger och mållös prat, dramatisk inkonsekvens av handlingar - allt är underordnat ett mål: att skapa en fantastisk, och kanske till och med hemsk, stämning.

New York Untitled Theatre Company No. 61 (Untitled Theatre Company # 61) tillkännagav skapandet av en "modern absurd teater", bestående av nya produktioner inom denna genre och transkriberingar av klassiska tomter av nya regissörer. Andra åtaganden är bland annat konduktör Festival av verk av Eugene Ionesco.

”Traditionerna i den franska teatern för det absurda i rysk drama finns på ett sällsynt och värdigt exempel. Vi kan nämna Mikhail Volokhov. Men absurditetsfilosofin saknas i Ryssland än idag, så den måste skapas. "

Teater för det absurda i Ryssland

Huvudidéerna i absurdens teater utvecklades av medlemmar i OBERIU -gruppen på 30 -talet av 1900 -talet, det vill säga flera decennier innan en liknande trend visade sig i västeuropeisk litteratur. En av grundarna till den absurda ryska teatern var i synnerhet Alexander Vvedenskij, som skrev pjäserna "Minin och Pozharskij" (1926), "Gud är runt" (1930-1931), "Kupriyanov och Natasha" (1931 ), "Julgran vid Ivanovarna" (1939), etc. Dessutom arbetade andra OBERIU: er i en liknande genre, till exempel Daniil Kharms.

I dramat från en senare period (1980 -talet) kan element i absurdens teater hittas i pjäserna av Lyudmila Petrushevskaya, i pjäsen "Walpurgis Night, or Steps of the Commander" av Venedikt Erofeev och i ett antal andra verk.

Representanter

Skriv en recension om artikeln "Theatre of the Absurd"

Anteckningar

Litteratur

Martin Esslin, The Theatre of the Absurd (Eyre & Spottiswoode, 1962)
Martin Esslin, Absurd Drama (Penguin, 1965)
E. D. Galtsova, surrealism och teater. Om den franska surrealismens teatraliska estetik (Moskva: RGGU, 2012)

Länkar

Teaterkonst

1808 åkte kejsare Alexander till Erfurt för ett nytt möte med kejsaren Napoleon, och i det högsta Petersburgsamhället talades det mycket om storheten i detta högtidliga möte.
1809 nådde närheten av de två härskarna i världen, som Napoleon och Alexander kallades, till den punkten att när Napoleon förklarade krig mot Österrike det året, gick den ryska kåren utomlands för att hjälpa sin tidigare fiende Bonaparte mot den tidigare allierade, Österrikisk kejsare; till den grad att de i det höga samhället talade om möjligheten till ett äktenskap mellan Napoleon och en av systrarna till kejsar Alexander. Men, förutom externa politiska överväganden, uppmärksammades vid denna tid det ryska samhällets uppmärksamhet särskilt tydligt på de interna omvandlingar som genomfördes vid den tiden i alla delar av statsförvaltningen.
Samtidigt fortsatte människors verkliga liv med sina väsentliga intressen för hälsa, sjukdom, arbete, vila, med sina tankar, vetenskap, poesi, musik, kärlek, vänskap, hat, passioner som alltid oberoende och utanför politisk närhet eller fiendskap med Napoleon Bonaparte, och bortom alla möjliga förvandlingar.
Prins Andrey tillbringade två år utan paus i byn. Alla dessa företag med namn som Pierre startade på sig själv och inte gav något resultat, ständigt flyttade från ett fall till ett annat, alla dessa företag, utan att visa dem för någon och utan märkbart arbete, utfördes av prins Andrew.
Han hade i högsta grad den praktiska uthållighet som Pierre saknade, som utan omfattning och ansträngning från hans sida satte igång saker.
Ett gods av hans trehundra böners själar listades som fria bönder (detta var ett av de första exemplen i Ryssland), i andra ersattes corvee med hyra. I Bogucharovo släpptes en lärd mormor på hans bekostnad för att hjälpa kvinnorna i förlossningen, och prästen lärde barn till bönder och gårdar mot lön.

Föreläsning 30. Ny teater (drama av det absurda)

Detta är en typ av modernt drama (den så kallade "New Theatre", som initialt ignorerades av allmänheten), baserat på konceptet med en persons totala främmande från den fysiska och sociala miljön. Denna typ av pjäser uppträdde först i början av 1950 -talet i Frankrike och spred sig sedan till Västeuropa och USA.

Detta är teatern för "drama av det absurda", skapat av S. Beckett, E. Ionesco, A. Adamov, som bodde i Paris och skrev på franska. Det var å ena sidan ett försök att förnya teaterns struktur och språk, och å andra sidan var ”Nya teatern” en återspegling av den fasa som orsakats av krigets grymheter och rädslan för atomförstörelse.

De absurda teaternas rötter finns i de teoretiska och praktiska aktiviteterna för representanter för sådana estetiska rörelser i början av 1900 -talet som dadaism och surrealism, liksom i A. Jarris episka burleska kung I Kill (1896), i Sostsi Tiresias (1903) av G. Apollinaire, där fars och vaudeville kombineras i F. Wedekinds pjäser med hans hjältars irrationella strävanden. Absurdens teater absorberade också inslag av clowner, musikhall, Chaplins komedier.

Bildandet av det absurda drama (antidrama) påverkades av surrealistisk teatralitet: användningen av bisarra kostymer och masker, meningslösa rim, provocerande vädjanden till publiken etc. Handlingen i pjäsen, karaktärernas beteende är obegripliga, liknande och ibland utformade för att chocka publiken. Att reflektera det absurda i ömsesidig förståelse, kommunikation, dialog, pjäsen på alla möjliga sätt betonar bristen på mening i språket, och det, i form av ett slags spel utan regler, blir den främsta bäraren av kaos.

Det var ett begreppsmässigt drama som förverkligade idéerna om absurdistisk filosofi. Verkligheten, varandet presenterades som kaos. För absurdisterna var den dominerande egenskapen inte att vara kortfattad, utan sönderfall. Den andra signifikanta skillnaden från föregående drama är i förhållande till en person. En person i en absurd värld är personifieringen av passivitet och hjälplöshet. Han kan inte inse något annat än sin egen hjälplöshet. Han berövas valfrihet. Absurdisterna utvecklade sitt eget koncept av drama - antidrama. På 30 -talet talade Antonei Artaud om sitt perspektiv på teatern: förkastandet av skildringen av en persons karaktär, teatern går över till en total skildring av en person. Alla hjältar i det absurda dramat är totala människor. Händelser måste också beaktas utifrån det faktum att de är resultatet av vissa situationer skapade av författaren, inom vilken en bild av världen öppnas. Det absurda drama är inte en diskussion om det absurda, utan en demonstration av absurditet.

Unescos UNESCO: Eugène Ionescos talang manifesterade sig både i hans tidiga dikter och i kritiska artiklar som gav upphov till verkliga revolutioner och omvälvningar i det rumänska samhället, men han brinner starkast i sin teaterverksamhet.Eugene Ionesco är pionjären inom absurdism i fransk drama.Ionesco Theatre är en teater med hån och parodi. Eugene Ionesco satte upp på scenen och förlöjligade tomheten och dess absurditet i världen. Det motsätter sig traditionellt teaterordförråd. Många förstod inte detta ordförråd, eftersom de ansåg att det saknade någon mening, kallade hans pjäser "nonsens". Men han försvarade sin rätt och titeln på en berömd dramatiker i vårt århundrade, vilket bevisas av de många utmärkelser han fick. I de flesta av Ionescos pjäser främjas idén om språkets värdelöshet som kommunikationsmedel.

"Verkligheten bör berikas med absurditet, fantasi och individens fria självuttryck", anser författaren själv. Och jag tror att alla håller med om det.

Situationerna, karaktärerna och dialogerna i hans pjäser följer bilderna och föreningarna av drömmar snarare än vardagens verklighet. Språket, med hjälp av roliga paradoxer, klyschor, ordspråk och andra ordspel, befrias från de vanliga betydelserna och associationerna.

Surrealismen i Ionescos pjäser härstammar från cirkusclowner, filmer av C. Chaplin, B. Keaton, bröderna Marx, gammal och medeltida fars. En typisk teknik är en hög med föremål som hotar att svälja skådespelarna; saker tar liv, och människor blir till livlösa föremål.

I de absurdistiska pjäserna saknas katarsis, E. Ionesco avvisar all ideologi, men pjäserna väcktes till liv av djup oro för språkets och dess talares öde.

De mest kända pjäserna av Eugene Ionesco är "The Bald Singer" och "The Lesson". Dessa pjäser fördömer vår världs konservatism, moral och ideologi. Från första gången kan det verkligen tyckas att du läser nonsens, men om du läser om eller funderar kommer du att märka att det inte är så absurt i boken, men absurt i verkligheten. Komiska passager, "frånvaro" av mening står vid sidan av slösa reflektioner om människans existens, som präglas av ensamhet och död. Pjäsen "Kungen dör" berättar om dessa reflektioner.

För allt det konventionella i det absurda är det grundligt politiserat, vilket särskilt övertygande bevisas av den mest betydande skapelsen av Eugene Ionesco "Rhino" (1959).Ionesco visar också de mekanismer som underlättar upprättandet av vissa ideologier. I pjäsen "Noshörning" presenteras alltså invånarna i en liten stad metaforiskt på scenen, oroade sig för utseendet på en noshörning och blir gradvis till det. Denna pjäs fördömer totalitarism.

Eugene Ionesco, liksom existentialisterna J.P. Sartre och A. Camus, utforskar mänskligt beteende i en extrem situation, när de allra flesta människor följer omständigheterna och bara en ensamstående finner styrkan för intern konfrontation.

En egenskap hos pjäserna av E. Ionesco är att de liksom är krypterade. Ibland är de svåra att lösa, men med "Rhino" är allt klart: dramat handlar om fascism.

Dramaturgin av Eugene Ionesco har tagit en framträdande plats i den litterära processen och i repertoaren för fransk och världsteater. Detta betyder dock inte alls att absurdismen vann och det traditionella realistiska dramat lämnade scenen. En vanlig och hjälplös person i vardagen går emot alla.

Litterär ära i början av 1950 -talet förde Ionesco -pjäsen "Bald Singer", skrivhistorien som till stor del avslöjar kärnan i hans skrivmetod. Efter att ha bestämt sig för att behärska det engelska språket 1948, köpte författaren en självinstruktionsbok och upptäckte plötsligt vilket magasin av absurditet vårt dagliga tal är, särskilt i förhållande till verkligheten. Och jag tänkte på den ursprungliga och gradvis förlorade betydelsen av ord. Från sammansättningen av ord och betydelser föddes Ionescos "obehagliga" teater, som senare kallades absurdist.Ionescos absurditet är emellertid inte en avsiktlig absurdisering av varandet (Ionesco själv föredrog förresten att kalla den konstnärliga riktning som han tillhörde, paradoxans teater), utan den ultimata exponeringen av dess sanna väsen.

Premiären för "The Bald Singer" ägde rum i Paris. Succén för The Bald Singer var skandalös, ingen förstod någonting, men att titta på absurdistiska pjäser blev gradvis bra form.

"Skallig tjej". I själva dramat finns det ingen som ser ut som en skallig tjej. Uttrycket i sig är meningsfullt, men i princip är det meningslöst. Pjäsen är full av absurditet: 9, och klockan slår 17 gånger, men ingen i pjäsen märker detta. Varje gång du försöker vika något slutar det i ingenting.

I anti-play (detta är genrenamnet) finns det ingen skallig sångare alls. Men det finns det engelska paret Smith och deras granne vid namn Martin, liksom pigan Mary och kaptenen på brandkåren, som av misstag släppte in i en minut till Smiths. Han är rädd för att vara sen för branden, som kommer att börja vid sådana och sådana timmar och några minuter. Det finns också en klocka som slår som den vill, vilket tydligen betyder att tiden inte går förlorad, den existerar helt enkelt inte, var och en är i sin egen tidsdimension och bär därför dumheter.

Dramatikern har flera tekniker för att piska upp det absurda. Det finns förvirring i händelseförloppet och en hög med samma namn och efternamn, och makarnas okänning av varandra, och kastlandet av värdar-gäster, gäster-värdar, otaliga upprepningar av samma epitet, en ström av oxymorons, en klart förenklad konstruktion av fraser som i den engelska läroboken för nybörjare. Kort sagt, dialogerna är riktigt roliga.

Samuel BECKET: Beckett var Joyces sekreterare och lärde sig skriva med honom. "Att vänta på Godot" är en av absurdismens grundtexter. Becketts pjäs Waiting for the Year, iscensatt 1952, är den mest kända pjäsen på det absurda teatern och representerar ett liv utan mening. Den grundläggande skillnaden mellan B: s pjäs från tidigare drama som bröt mot psykologiska teaterns traditioner är att ingen tidigare bestämde sig för att iscensätta "ingenting". B. låter dig utvecklas i pjäsen ord för ord, trots att konversationen plötsligt börjar och inte kommer till någonting, som om karaktärerna inledningsvis vet att det inte kommer att fungera att komma överens om någonting, att en ordlek är det enda alternativet för kommunikation och konvergens. Dialog blir ett mål i sig. Men pjäsen har också en viss dynamik. Allt upprepar sig, ändras precis tillräckligt för att värma upp publikens förväntningar på någon form av förändring.

Entropi (frigörande av energi i en reaktion, en kemisk term) presenteras i ett förväntat tillstånd, och denna förväntan är en process, vars början och slut vi inte vet, d.v.s. Det går inte ihop. Förväntningstillståndet är det dominerande i vilket hjältarna finns, samtidigt som de inte tänker på om det är nödvändigt att vänta på Godot. De är i ett passivt tillstånd.

Pjäsen Waiting for Godot är ett av de verk som påverkade utseendet på 1900 -talets teater som helhet. Beckett vägrar i grunden någon dramatisk konflikt, plotlinjen som är känd för betraktaren. Figurerna i pjäsen - Vladimir (Didi) och Estragon (Gogo) - ser ut som två clowner, har inget att göra, underhåller varandra och samtidigt publiken. De agerar inte, men imiterar någon form av handling. Detta syftar inte till att avslöja karaktärernas psykologi. Handlingen utvecklas inte linjärt, utan rör sig i en cirkel och klamrar sig fast vid de refräng som en av misstag tappad kopia genererar. Inte bara anmärkningar upprepas, utan också ståndpunkter. I början av akt 2 är trädet, landskapets enda egenskap, täckt med löv, men essensen av denna händelse undviker karaktärerna och åskådarna. Detta är inte ett tecken på våren, tidens progressiva rörelse. Det betonar snarare falskheten i förväntningarna.

Hjältarna (Volodya och Tarragon) är inte helt säkra på att de väntar på Godot precis där de behöver det. När de nästa dag efter natt kommer till samma plats till det vissna trädet tvivlar Tarragon på att det är samma plats. Uppsättningen är densamma, bara trädet blommade över natten. Tarragons stövlar, som han lämnade på vägen igår, är på samma ställe, men han hävdar att de är större och av en annan färg.

Pjäsen ses som Becketts kvintessens: bakom längtan och fasan i den mänskliga existensen i dess mest fula form dyker en oundviklig ironi upp. Karaktärerna i pjäsen påminner om bröderna Maris, stumfilms stora komiker.

I väntan på Godot. Sammanfattning

Landsväg, oändliga fält, nästan en öken, vars monotoni bara bryts av ett träd. Det finns nästan inga löv på trädet. Det finns två vandrare vid foten.

Tarragon, utan framgång försökte ta av sig skorna, och hans vän och bror Vladimir. Han är orolig för vilken av de fyra evangelisterna som berättade sanningen om de två korsfäste rånarna. En serie banala fraser, utan någon mening, som utbyts endast för att återuppliva tystnaden på denna tråkiga plats. Det enda som håller dem här är löftet om en viss Godou att komma. Vad kan de göra i väntan, om inte för att döda tid, oändlig tid som måste fyllas med tomma argument, och samtidigt låtsas ta dem till hjärtat ... De själva vet inte varför de är tillsammans, de är van vid att skilja och dejta varje dag på samma ställe. Bullret är någonstans åt andra hållet, ett fruktansvärt rop ... Kommer inte Godou? Tarragon tappar moroten, som han tidigare tuggat, fryser, rusar mot ...

Pozzo och Luke dyker upp. Den senare har ett rep runt halsen, han bär sin herres resväskor. Pozzo, piska i handen, behandlar sin slav på samma sätt som djur inte behandlas. Och om Vladimir och Estragon är här, varför inte stanna och röka ett pipa? Det kommer att döda tiden, och Pozzo älskar att prata. Han förklarar att han ska sälja Luke, som inte längre är bra för någonting. Han kan bara tänka. Dessutom bär den med sig om du trycker på den. Slutligen räcker det med att ta av hatten för att han ska bli ett djur igen, en enkelhet. De stannar ganska länge och försvinner sedan med en smäll.

Vad ska man göra? Lämna? Nej, du lovade att komma, du måste vänta på honom. Avgiven för ödet försöker Vladimir och Estragon diskutera de obetydliga händelserna som markerade dagen, men de har inte styrkan, de är trötta på att framgångsrikt utföra en komedi av inbillat intresse.

En röst hörs bakom gardinerna: "Herr (...)". Ett barn kommer och säger att Godot inte kommer, som tidigare kvällar, men han kommer definitivt att vara det imorgon. Imorgon kommer, samma meningslösa dialoger, utan mening, en upprepning av gårdagens konversation, och kanske i förrgår, och dagligen. Luke och Pozzo återkommer, de har åldrats; Pozzo är blind, och Luke är ännu mer värdelös, han är dum. Men repet finns kvar, lite kortare så att Pozzo kan följa sin slav, som nu bär en ny hatt.

Vid synen på Vladimir och Estragon gör Luke ett skarpt streck och faller och drar Pozzo med sig. Pozzo ropar på hjälp, det är den som är riktigt rolig! Dessutom slösar det tid. Två vagabonder stöter på Pozzo, sparkar honom, hämtar honom - trots allt måste du ha kul, prata ... När det gäller Godot skickar han igen en ursäkt, han kommer i morgon; kanske vägen ut är att hänga från ett träd på Tarragons bälte? Men bältet går sönder ...

Än sen då! De kommer tillbaka imorgon med ett bra rep, och om Godou plötsligt kommer kommer de att bli räddade ...

STOPPARD: "Rosencrantz och Guildenstern är döda" - här är ett kännetecken för engelsk litteratur: britterna var väl medvetna om sin historia, varje författare känner sig som en del av denna tradition. Denna pjäs har 2 avläsningar: 1) antingen sker handlingen efter Rosencrantz och Guildenstern död; 2) antingen verkar allt för Rosencrantz och Guildenstern. Men pjäsen bygger på Shakespeares tanke. Det finns inget i kopiorna av hjältarna som skulle tillåta oss att skilja den ena från den andra. Stoppard använder denna egenskap. I mitten av pjäsen står frågan "vem av oss är Rosencrantz, och vem är Guildenstern?" Det här är två människor som har namn som skiljer den ena från den andra. För dem att förstå vem som är vem som betyder en möjlighet att sticka ut, att hitta deras "jag". Men enligt teorin om absurdism är detta omöjligt, så absurdisterna ger inte namn till sina hjältar. Människan ges inte att skilja sitt ”jag” från kaos.

Ovanstående ger enligt vår mening skäl att hävda att det är olämpligt att tala om någon kris, åtminstone i förhållande till 1900 -talets teater. Det är sant att man inte kan bortse från ett fenomen från 1900 -talet, som kan betraktas som en manifestation av krisen, men inte av kulturen. Tillväxten av välbefinnande tack vare den vetenskapliga och tekniska revolutionen hos den överväldigande majoriteten av Europas befolkning, etableringen av demokratiska tendenser i livet ledde till den faktiska makten i detta liv av den okreativa majoriteten, som inte kunde leva med idéerna och ideal om sann kultur, oförmögen att resa sig över vardagslivets värld, och denna anti-elitism hos majoriteten av befolkningen var inte kreativitetsorienterad, kulturellt destruktiv.

En manifestation av denna trend, från 60 -talet av XX -talet. i hela Europa, inklusive Frankrike, är utvecklingen av showbranschen. Masscirkulation av skivor, kassetter "disco", "folk", "rock" musik, från morgon till kväll, skramlar i hörlurarna på transistorer, överallt följer pojkar och flickor1.

Men tillsammans med spridningen av showbranschen och andra negativa fenomen inom det andliga livet i Europa under XX -talet. kulturen som höjer en person fortsätter att existera och utvecklas, vilket är kriteriet för dess äkthet, oavsett genre.

Sök efter nya teaterformer

Under de senaste två decennierna har teaterlivet i Frankrike, liksom i Europa som helhet, blivit mer mångsidigt. Bara i Paris finns för närvarande över 50 teatrar, där betraktaren kan hitta föreställningar för alla smaker: från klassikernas eviga skapelser - Shakespeare, Corneille, Racine, Chekhov - i "Comedie Francaise" och "Odeon" till moderna dramatiker Beckett och Ionesco i avantgardisteatrarna och kvicka komedier i "boulevardernas teatrar". Varje år i Avignon, Orange, Nimes och andra städer i Frankrike hålls teaterfestivaler på antika romerska arenor eller på medeltida slott, vilket lockar tusentals åskådare från många länder.

Liknande spektakulära händelser utövas i Italien: på ruinerna av forumet, Colosseum, termalbadet i Caracalla hålls fantastiska föreställningar med klassiska italienska operor om antika ämnen. Därmed skapar iscensättningen av Verdis opera Aida i Caracallas bad en spännande känsla av betraktarens närvaro i händelserna.

Allt detta är en sökning efter nya teaterformer tillgängliga för åskådarnas massa. Ett exempel på en sådan kombination av massa och klassiker är R. Osseins grandiosa uppträdanden i Paris Palace of Sports av föreställningarna Notre Dame Cathedral, Danton och Robespierre, The Man from Nazareth och Battleship Potemkin.

Claude Carrer, i samarbete med den berömda engelska regissören Peter Brook, iscensatte det forntida indiska eposet "Mahabharata" på Boof du Nord -teatern i Paris. Omfattningen av denna föreställning bevisas av det faktum att den gick antingen tre kvällar eller i tolv timmar i rad från 12.00 till 12.00. Åskådare, som kom från många europeiska länder, fyllde på termos med kaffe och smörgåsar och "kläcktes heroiskt till slutet", som de parisiska tidningarna skrev 1986, när denna föreställning iscensattes.

1 Läkare noterar en ökning av störningen på grund av detta skäl för hörapparaten hos unga.

När man ser vissa dramatiker, till exempel Eugene Ionesco, kan man möta ett sådant fenomen i konstvärlden som absurdens teater. För att förstå vad som bidrog till framväxten av denna trend måste du vända dig till historien om 50 -talet av förra seklet.

Vad är det absurda teater (det absurda drama)

På 50 -talet dök uppträdanden först upp, vars handling verkade absolut meningslös för publiken. Huvudpjäsen bestod i en persons främlingskap från den sociala och fysiska miljön. Under handlingen på scenen lyckades dessutom skådespelarna kombinera inkompatibla koncept.

De nya pjäserna förstörde alla dramatiska lagar och kände inte igen några myndigheter. Således utmanades alla kulturtraditioner. Detta nya teaterfenomen, som i viss mån förnekade den existerande politiska och sociala ordningen, var absurdens teater. användes först av teaterkritikern Martin Esslin först 1962. Men vissa dramatiker var oense om denna term. Till exempel föreslog Eugene Ionesco att man skulle kalla det nya fenomenet för "löjets teater".

Historia och källor

Flera franska och en irländsk författare stod vid ursprunget till den nya riktningen. Eugene Ionesco kunde vinna den största populariteten bland publiken, och Arthur Adamov bidrog också till utvecklingen av genren.

Idén om det absurda teatern kom först i tankarna hos E. Ionesco. Dramatikern försökte lära sig engelska med hjälp av en självstudiebok. Det var då han uppmärksammade det faktum att många dialoger och kommentarer i läroboken är absolut osammanhängande. Han såg att det i vanliga ord finns mycket absurditet, som ofta förvandlar även kloka till helt meningslösa.

Det vore dock inte helt ärligt att säga att endast ett fåtal franska dramatiker var inblandade i framväxten av en ny riktning. Existentialister talade ju om det absurda i människans existens. För första gången utvecklades detta tema fullt ut av A. Camus, och F. Dostojevskij hade ett betydande inflytande på hans arbete. Det var dock E. Ionesco och S. Beckett som utsåg och förde till scenen absurdens teater.

Funktioner i den nya teatern

Som redan nämnts avvisade den nya inriktningen inom teaterkonsten klassisk dramatik. De allmänna kännetecknen för honom är:

Fantastiska element som samexisterar med verkligheten i pjäsen;

Framväxten av blandade genrer: tragikomedi, komisk melodrama, tragedi - som började ersätta det "rena";

Användning av element i föreställningar som är karakteristiska för andra typer av konst (kör, pantomime, musikal);

Till skillnad från traditionell dynamisk action på scenen, som det tidigare var i klassiska produktioner, råder statisk i den nya riktningen;

En av de viktigaste förändringarna som kännetecknar det absurda teatern är karaktärernas tal i nya produktioner: det verkar som att de kommunicerar med sig själva, för att partnerna inte lyssnar och inte svarar på varandras kommentarer, utan bara uttalar sina monologer i tomrummet.

Typer av absurditet

Det faktum att den nya inriktningen på teatern hade flera grundare samtidigt förklarar absurditetens uppdelning i typer:

1. Nihilistisk absurditet. Detta är verk av de välkända E. Ionescu och Hildesheimer. Deras pjäser kännetecknas av det faktum att publiken inte förstår spelets konsekvenser under hela föreställningen.

2. Den andra typen av absurditet speglar det universella kaoset och, som en av dess huvuddelar, människan. I detta avseende skapades verken av S. Beckett och A. Adamov, som försökte betona bristen på harmoni i mänskligt liv.

3. Satirisk absurditet. Som namnet antyder försökte representanter för denna trend Dürrenmatt, Grass, Frisch och Havel förlöjliga det absurda i deras samtida sociala ordning och mänskliga strävanden.

Nyckelverk av absurdens teater

Publiken fick veta vad det absurda är för teater efter premiären av The Bald Singer av E. Ionesco och Waiting for Godot av S. Beckett ägde rum i Paris.

Ett kännetecken för produktionen av Bald Singer är att den som borde ha varit huvudpersonen aldrig dyker upp på scenen. Det finns bara två gifta par på scenen, vars handlingar är helt statiska. Deras tal är inkonsekvent och fullt av klyschor, vilket ytterligare återspeglar bilden av absurditeten i omvärlden. Sådana osammanhängande, men absolut typiska rader av hjältarna upprepas om och om igen. Språket, som till sin natur är utformat för att göra kommunikationen lätt, hindrar det bara i pjäsen.

I Becketts pjäs Waiting for Godot väntar två helt inaktiva karaktärer ständigt på en viss Godot. Inte nog med att denna karaktär aldrig dyker upp under hela handlingen, dessutom känner ingen honom. Det är anmärkningsvärt att namnet på denna okända hjälte är förknippat med det engelska ordet Gud, d.v.s. "Gud". Hjältarna minns osammanhängande fragment från sina liv, dessutom sitter de inte kvar med en känsla av rädsla och osäkerhet, för det finns helt enkelt inget sätt att agera som kan skydda en person.

Således bevisar absurdens teater att meningen med mänsklig existens bara kan hittas i förståelsen av att den inte har någon mening.