Ce este teatrul absurdului? Absurd în teatru Conceptul absurdului în viață

Este greu să te certi cu afirmația că această lume „nebună, nebună, nebună” a înnebunit puțin. Și dacă altcineva se îndoiește de acesta, ar trebui să vizionați cel puțin unul dintre filmele grozave care sunt colectate în acest „top ten”. Cu toate acestea, nu este surprinzător dacă cineva vrea să vadă sau să revizuiască toate filmele. Cu siguranță nu vei regreta!

1. Filmul „Dragoste și moarte”

regizorul Woody Allen
Fără îndoială, o comedie cultă a maestrului acestui gen Woody Allen. Doar o fântână de umor strălucitor și în același timp intelectual pe un subiect foarte interesant. Și subiectul este următorul. Un anumit latifundiar rus dintr-un oraș districtual în orice mod posibil încearcă să se sustragă chemării de a lupta cu Napoleon. Pentru că tot ce are în arsenalul său este o limbă lungă și ascuțită. Incomparabilă autoironie, filozofie pentru manechine, politică și încă o dată politică - au făcut ca acest film să fie pentru totdeauna iubit, mai ales în țara noastră. Dacă eroul a reușit să evite armata sau nu, vezi singur.

2. Filmul „Jurnal”

regizorul Jan Schwankmeier
Un nivel similar de suprarealism poate fi găsit doar în Lynch. Jan Schwankmeier a tradus o poveste înfricoșătoare cehă în limba ecranului și pare amuzant. Din lipsă de speranță, un tânăr cuplu fără copii a avut ideea să aibă un butuc de copac în loc de copil ... Care crește repede și mănâncă mult și mănâncă tot. Chiar și o persoană pentru un suflet dulce. Și dacă părinții nou-făcuți au grijă de buștenii lor în toate modurile posibile, atunci vecinii lor minunați, dimpotrivă, nu acordă atenție fiicei lor „vii”. După cum se spune, contrastul este evident.

3. Filmul „Rochie”

în regia lui Alex Van Warmerdam
Cât de des admiră imaginația creatorilor, în ce măsură ajunge vizualizarea lor! O rochie obișnuită, chiar și în culori vii, dar ce agitație în jurul ei! Oamenii înnebunesc, îl sfâșie și, totuși, îi împinge pe toți în nebunie. Îi entuziasmează pe unii, duce la moartea altora, dar la prima vedere este doar o cârpă. Ce se va întâmpla cu el în continuare?

4. Filmul „Orașul zero”

regizorul Karen Shakhnazarov
Intriga filmului pare să fi fost copiată dintr-un roman al fraților Strugatsky, unde eroul se află într-un oraș necunoscut, în care totul este răsturnat, concepte diferite și o moralitate complet diferită. La fel ca în pilda biblică, el este prezentat cu capul pe un platou, doar că capul nu este al altcuiva, ci al lui ... Cu toate acestea, există și înțelepciune în film. Care în final vor fi despărțiți de toți și de toți.

5. Film „Investigație în cazul unui cetățean dincolo de orice suspiciune”

regizorul Elio Petri
Un film care a câștigat un Oscar. Comedie! Nu o dramă evreiască sau un război dur. Numai asta sugerează că merită ceva. Și chiar există ceva de văzut. Imaginați-vă - eroul își ucide femeia, lasă dovezi și merge să se predea poliției. În orice alt caz, el ar fi fost deja condamnat, dar nu a fost cazul. Faptul este că este el însuși șeful poliției și nimeni nu vrea să sugereze nici măcar că a fost el. Cine a spus că vrea să meargă la închisoare? Deloc, are alte planuri ...

6. Filmul „Balul pompierilor”

în regia lui Milos Forman
Ultimul film al celebrului regizor cehoslovac filmat în patria sa. Și știind acest lucru, se poate presupune deja ce ar fi putut lua foc în ei. Că tot acest absurd roșu, acest circ serios este ca o oglindă a regimului comunist în care trăia țara atunci. Băieți curajoși, pompieri excelenți chiar și-au propus să organizeze propriul concurs de frumusețe la sărbătoare!

7. Filmul „Pisică neagră, pisică albă”

regizor Emir Kusturica
O comedie sclipitoare, neîngrădită, nebună a geniului Kusturica! Distracția țiganilor va ridica și morții din mormânt și ce face cu cei vii ... Aici trag și cântă în același timp, iubesc și fură mirese și nu vor face nimic de dragul banilor. Doi mafiosi bătrâni dorm adânc în timp ce copiii lor luptă cu furie. Dar, de dragul fericirii tinerilor, ei, desigur, se vor trezi.

8. Filmul „Doctorul Strangelove sau Cum am învățat să nu-mi fac griji și să iubesc bomba atomică”

regizorul Stanley Kubrick
Comedie intelectuală, dar nu mai puțin absurdă, a regizorului de cult Stanley Kubrick. Imaginați-vă o situație foarte reală: țara ar fi în pericol și un general militar trimite bombardiere nucleare inamicului său. Dar pericolul este imaginar, iar avioanele sunt deja în aer, apropiindu-se de granițele inamicului. Și apoi se dovedește că inamicul are un răspuns automat - iar țara care a trimis bombardierele ar fi putut fi ștearsă de pe Pământ către bunica diavolului ... Vă imaginați gravitatea situației? Aceasta este o tragedie! Dar nu în acest caz.

9. Filmul „Castelul”

regizorul Alexey Balabanov
Filmul se bazează, desigur, pe celebrul roman al lui Franz Kafka. Eroul care ajunge la destinație descoperă că nimeni nu îl așteaptă și nimeni nu are nevoie de el aici. Metaforic vorbind, un castel sub castel. Cu toate acestea, curiozitatea îl apucă, el decide să se oprească aici și să încerce să afle ce se întâmplă. Stă atât de mult încât reușește chiar să se căsătorească. Dar nu are niciodată sens. Sau doar se uită neatent? O fantasmagorie de la Balabanov, o intrigă fantomatică și personaje teribile, o textură pestriță a lumii înconjurătoare, s-ar părea că totul este acolo. Dar unde se găsește răspunsul atunci?

10. Filmul „Tootsie”

regizorul Sydney Pollack
Totul este foarte simplu. Tipul nu reușește să câștige un punct de sprijin în industria filmului, nu este dus nicăieri. Apoi se deghizează în femeie și primește rolul dorit. Dar, pentru a se juca, trebuie să nu mai fie el însuși. Dar el are o iubită, iar ea, desigur, are un tată. Cum să fii atunci? În plus, tatăl a început brusc să-i placă într-o nouă imagine ... O situație incomodă, nu-i așa? Și nimeni nu știe ce se va întâmpla când va izbucni adevărul. O comedie nebună în care joacă Dustin Hoffman și fermecătoarea Jessica Lange.

Pentru cei care doresc ceva mai serios, am colectat.

Acest nou fenomen din arta teatrală s-a făcut simțit la începutul anilor 1950. joacă „Singer Bald” (1950) și „Waiting for Godot” (1952). Lucrările ciudate ale lui Eugene Ionesco și Semuel Beckett au stârnit o dezbatere aprinsă între critici și public. „Absurdistii” au fost acuzați de pesimism extrem și de distrugerea tuturor canoanelor teatrului. Cu toate acestea, deja la sfârșitul anilor 1960. Beckett a fost distins cu Premiul Nobel pentru piesa Waiting for Godot, iar Sete de foamete a lui Ionesco a revenit la Comedie Française. De ce s-a schimbat atitudinea societății în teatrul absurdului?

Trebuie să spun că în a doua jumătate a secolului XX. în viziunea lor tragic pesimistă asupra lumii, reprezentanții teatrului absurdului nu erau singuri. În lucrările filosofice ale lui Sartre, în experimentele literare ale lui Faulkner, Kafka, Camus, ideea a sunat cu o expresie intensă că omul modern, care și-a pierdut credința în Dumnezeu, în atotputernicia științei sau în progres, a „pierdut” sensul de viață și de vieți în așteptarea morții. După cum a spus Faulkner, „viața nu este o mișcare, ci o repetare monotonă a acelorași mișcări”. O astfel de „descoperire” îi face pe oameni să simtă un sentiment de confuzie și alienare, pentru a realiza „absurdul” existenței lor.

Astfel, ideile reprezentanților noii direcții teatrale corespundeau pe deplin „spiritului vremurilor”. La început, criticii și telespectatorii au fost „jenați” de combinația deliberată a tragediei evidente cu ironia la fel de sinceră care a pătruns în dramele lui Beckett, Ionesco, Jenne, Pinter, Arrabal. În plus, se părea că piesele „absurdistilor” nu puteau fi puse în scenă pe scenă: le lipseau imaginile obișnuite „cu drepturi depline”, nu exista nici un complot inteligibil, nici un conflict inteligibil și cuvintele aliniate în lanțuri aproape fără sens ale fraze. Aceste lucrări nu erau deloc potrivite pentru teatrul realist. Dar când regizorii experimentali i-au asumat, s-a dovedit că drama absurdului oferă cele mai bogate oportunități pentru soluții scenice originale. Convenția teatrală a dezvăluit în piesele „absurdiștilor” o pluralitate de straturi semantice, de la cele mai tragice la cele care afirmă viața, deoarece în viață, disperarea și speranța sunt întotdeauna aproape.

Și onesco

Eugene Ionesco

Dramaturg francez de origine română, unul dintre fondatorii tendinței estetice a absurdismului, un clasic recunoscut al avangardei teatrale din secolul al XX-lea. Membru al Academiei Franceze.

Ionesco însuși (născut în 1912) a subliniat în repetate rânduri că exprimă o viziune asupra lumii extrem de tragică. Piesele sale „prezic” transformarea unei întregi comunități de oameni în rinoceri („Rhino” - 1960), povestesc despre ucigașii care rătăcesc printre noi („Selfless Killer” - 1957), descriu extratereștri nesiguri din anti-lumi („pietoni aerieni” - 1963).

Dramaturgul caută să dezvăluie pericolul unei conștiințe conformiste care depersonalizează complet o persoană. Pentru a-și atinge scopul artistic, Ionesco distruge decisiv logica aparent armonioasă a gândirii noastre, parodizând-o. În comedia „Cântărețul chel” reproduce viziunea „automatizată”, „clișeu” a lumii asupra eroilor săi, creează o performanță fantasmagorie, dezvăluind absurditatea frazelor banale și a judecăților banale.

Celebrul regizor Peter Brook a fost unul dintre primii care a apreciat posibilitățile scenice ale dramei absurdului.

În „Victims of Duty” (1953), vorbim despre oameni care se consideră obligați să îndeplinească orice cerințe ale statului, să fie cu siguranță cetățeni loiali. Piesa se bazează pe metoda de transformare a imaginilor, schimbarea măștilor personajelor. Această metodă de transformare externă a unei persoane, care, totuși, nu își schimbă esența, ci doar își expune goliciunea interioară, este una dintre preferatele operei lui Ionesco. El îl folosește într-una dintre cele mai faimoase piese ale sale, Scaune (1952). Eroina piesei, Semiramis, apare acum ca soția bătrânului, acum ca mama lui, în același timp bătrânul însuși, acum bărbat, acum soldat, acum „mareșal al acestei case”, acum un orfan. Persoanele pe care le descrie Ionesco sunt victime ale scopurilor utilitare ale vieții; nu pot trece dincolo de cercul îngust al rutinei, sunt orbi de la naștere, schilodiți de clișee. Lipsa aspirațiilor spirituale îi face prizonieri care nu vor să fie eliberați.

Beckett

Samuel Beckett (1906-1989)

„Îi datorăm lui Beckett unele dintre cele mai impresionante și mai distincte opere dramatice din vremea noastră.” Peter Brook

Scriitor, poet și dramaturg irlandez. Reprezentant al modernismului în literatură. Unul dintre fondatorii teatrului absurdului. A câștigat faima la nivel mondial ca autor al piesei Waiting for Godot, una dintre cele mai semnificative opere de dramă mondială din secolul al XX-lea. Laureat al Premiului Nobel pentru literatură din 1969. Având pașaport irlandez, a trăit cea mai mare parte a vieții sale la Paris, scriind în engleză și franceză.

Beckett, spre deosebire de Ionesco, este interesat de o gamă diferită de probleme. Tema principală a operei sale este singurătatea. Eroii lui Beckett au nevoie de comunicare, de spirite înrudite, dar datorită propriei lor structuri (sau structurii lumii?) Sunt lipsiți de aceste lucruri necesare. Toată viața își privesc lumea interioară, încercând să o coreleze cu realitatea înconjurătoare, dar concluziile lor sunt inconsolabile, iar existența lor este fără speranță.

Așa apar Vladimir și Estragon în fața noastră - personajele tragicomediei „Waiting for Godot”. Nu întâmplător s-au găsit pe un drum pustiu, al cărui singur semn este un copac ofilit. Acesta este un simbol al înstrăinării eroilor de viață. Încearcă să-și amintească trecutul, dar amintirile sunt vagi și confuze, încearcă să înțeleagă ce i-a determinat să ajungă la singurătate completă, dar nu sunt capabili să facă acest lucru. Dialogul și acțiunile însoțitoare sunt construite ca un clovn trist. Vladimir și Estragon sunt înconjurați de un spațiu nesfârșit, o lume imensă, dar se pare că este închisă pentru eroi.

Beckett folosește, de asemenea, simbolul izolării în piese precum The Game (1954), Happy Days (1961), Krapp's Last Ribbon (1957), dezvăluind astfel incompatibilitatea personajelor sale cu mediul. „Nimeni nu vine, nu se întâmplă nimic” - această frază din „Așteptarea lui Godot” devine laitmotivul dramei lui Beckett, care spune povestea unui om care și-a pierdut orientările vieții, transformat aproape într-o fantomă. Eroii dramaturgului înșiși nu sunt chiar siguri că există încă. De remarcat este instrucțiunea lui Vladimir și Estragon, pe care o dau băiatului trimis de Godot: „Spune-i că ne-ai văzut”.

Spre deosebire de Ionesco sau Beckett, Mrozek preferă un mod aproape realist de a construi acțiune dramatică.

O caracteristică importantă a metodei artistice a lui Beckett este combinarea poeziei cu banalitatea. Dramaturgul îl ridică apoi pe privitor la culmile luptei spiritului uman, apoi se aruncă în abisul bazei și uneori chiar grosolan fiziologic.

Piesele lui Beckett sunt întotdeauna misterioase: necesită interpretări scenice sofisticate, așa că dramaturgul a întruchipat personal unele dintre lucrările sale pe scenă. Astfel, mini-tragedia „Sunetul pașilor” a fost pusă în scenă de autor în Berlinul de Vest. Un loc special în opera lui Beckett îl ocupă miniatura „Decuplarea” (1982), scrisă special pentru celebrul actor J.-L. Barro. În ea, un regizor asistent pregătește un interpret pentru un rol într-una dintre piesele lui Beckett. Nu va spune niciodată un cuvânt.

Soție

Zhenet: „Nu am reprodus niciodată viața, dar viața însăși m-a născut involuntar sau a evidențiat, dacă existau deja în sufletul meu, imagini pe care apoi am încercat să le transmit prin personaje sau evenimente.”

Jean Genet (1910-1986). Controversat scriitor, poet și dramaturg francez. Personajele principale ale operelor sale erau hoți, ucigași, prostituate, proxeneți, contrabandiști și alți locuitori ai fundului social.

Cel mai extravagant dintre reprezentanții teatrului absurdului este Jean Genet. În vârstă de zece ani, a fost condamnat pentru furt și a ajuns într-o colonie corecțională, unde, după propriile sale cuvinte, s-a alăturat cu entuziasm lumii viciului și a criminalității. Mai târziu a slujit în Legiunea Străină și a cutreierat porturile Europei. În 1942 a fost trimis în închisoare, unde a scris cartea „Maica Domnului Florilor”; în 1948 a fost condamnat la viață în exil într-o colonie. Cu toate acestea, multe personalități culturale s-au alăturat scriitorului deja cunoscut în acel moment și a fost grațiat.

Sarcina principală a lui Zhenya este de a provoca societatea burgheză, pe care a reușit să o realizeze pe deplin cu piese talentate, dar scandalos de șocante, care includ „Servitoarele” (1947), „Balconul” (1956), „Negrii” (1958) și „Ecrane” (1961).

J.-P. Sartre i-a susținut pe „absurdiști”, a scris recenzii despre piesele lor, deține o carte despre viața și opera lui Genet.

„Servitoarele” este una dintre cele mai faimoase opere dramatice ale lui Genet. Acesta spune cum surorile Solange și Claire, eliberate de amanta lor, decid să intre în posesia proprietății ei prin otrăvirea amantei. În acest scop, ei o calomniază pe prietena ei, încercând să-l determine să intre în închisoare. Dar Monsieur este eliberat brusc și surorile insidioase sunt expuse. Deși complotul „sugerează” dezvoltarea melodramatică a acțiunii, „The Handmaids” este construit într-un mod complet diferit, grotesc. În absența doamnei, surorile o înfățișează alternativ, transformându-se în amanta lor atât de mult încât uită de ele însele, eliberându-se temporar de acel rol de neinviat pe care îl joacă în realitate. Aceasta este o piesă despre o viață în care visul și realitatea se ciocnesc într-o formă urâtă. În drama Genet, de regulă, apar evenimente complet fictive, incredibile, în care lumea reală care ne este cunoscută este bizar modificată, distorsionată, ceea ce permite autorului să-și exprime atitudinea față de el.

Un Rrabal și Pinter

Fernando Arrabal

Scenarist, dramaturg, regizor spaniol, actor, romancier și poet. Locuiește în Franța din 1955.

Dramaturgul spaniol Fernando Arrabal (născut în 1932) în tinerețe era pasionat de Calderon și Brecht, având o influență semnificativă a acestor autori. Prima sa piesă „Picnic” a fost pusă în scenă în 1959 la Paris. Eroii piesei Sapo și Sepo sunt soldați ai două armate aflate în război unul cu celălalt. Sapo îl ia prizonier pe Sepo. Se pare că soldații au multe în comun.

Ambii nu vor să omoare pe nimeni, ambii sunt ignoranți în afacerile militare, iar participarea la bătălii nu i-a îndepărtat de obiceiurile unei vieți pașnice: unul tricotează un pulover între împușcături, iar celălalt face flori de cârpă. În cele din urmă, eroii ajung la concluzia că nici ceilalți soldați nu vor să lupte și este necesar să spui asta cu voce tare și să pleci acasă. Inspirați, dansează pe muzică veselă, dar în acest moment focul mitralierei îi doboară, ceea ce face imposibilă îndeplinirea planului lor. Absurditatea situației piesei este adâncită de faptul că părinții lui Sapo, care au venit brusc în front pentru a-și vizita fiul, acționează și ei în ea.

Opera lui Arrabal se caracterizează prin opoziția copilăriei voite a eroilor săi la cruzimea circumstanțelor în care aceștia trebuie să existe. Printre cele mai cunoscute opere ale dramaturgului se numără „Doi călăi” (1956), „Prima împărtășanie” (1966), „Grădina plăcerii” (1969, „Inchiziția” (1982).

Harold Pinter

Dramaturg englez, poet, regizor, actor, personaj public. Unul dintre cei mai influenți dramaturgi britanici ai timpului său. 2005 Câștigător al Premiului Nobel pentru literatură.

Metoda artistică a lui Harold Pinter (1930 - 2008), autorul pieselor „Ziua de naștere” (1957), „Chelnerul prost” (1957), „Watchman” (1960), „Landscape” (1969), este apropiată de expresionism. Tragicomediile sale întunecate sunt locuite de personaje misterioase, ale căror conversații parodează formele obișnuite de comunicare umană. Intriga, construcția pieselor este în contradicție cu credibilitatea lor aparentă. Privind lumea burgheză parcă printr-o lupă, Pinter subliniază în felul său suferința oamenilor care se regăsesc pe marginea vieții.

Sursă - ENCICLOPEDIE mare ilustrată

Teatrul absurdului - Ionesco, Beckett, Genet, Arrabal și Pinter actualizat: 31 august 2017 de autor: site-ul web

Termenul „teatrul absurdului” a fost folosit pentru prima dată de criticul de teatru Martin Esslin ( Martin Esslin), care a scris o carte cu acel titlu în 1962. Esslin a văzut în anumite lucrări întruchiparea artistică a filosofiei lui Albert Camus despre lipsa de sens a vieții la baza ei, pe care a ilustrat-o în cartea sa Mitul lui Sisif. Se crede că teatrul absurdului își are rădăcinile în filosofia dadaismului, a poeziei din cuvinte inexistente și a artei avangardiste - x. În ciuda criticilor ascuțite, genul a câștigat popularitate după cel de-al doilea război mondial, ceea ce a indicat incertitudinea considerabilă din viața umană. Termenul introdus a fost, de asemenea, criticat și au existat încercări de a-l redefini ca „antiteatru” și „nou teatru”. Potrivit lui Esslin, mișcarea teatrală absurdistă se baza pe interpretările a patru dramaturgi - Eugene Ionesco ( Eugene Ionesco), Samuel Beckett ( Samuel beckett), Jean Genet ( Jean genet) și Artyur Adamov ( Arthur Adamov), cu toate acestea, el a subliniat că fiecare dintre acești autori avea propria sa tehnică unică care depășește termenul de „absurd”. Următorul grup de scriitori este adesea distins - Tom Stoppard ( Tom Stoppard), Friedrich Dürrenmatt ( Friedrich Dürrenmatt), Fernando Arrabal ( Fernando Arrabal), Harold Pinter ( Harold Pinter), Edward Alby ( Edward albee) și Jean Tardieu ( Jean tardieu).

Alfred Jarry ( Alfred Jarry), Luigi Pirandello ( Luigi pirandello), Stanislav Vitkevich ( Stanislaw Witkiewicz), Guillaume Apollinaire ( Guillaume Apollinaire), suprarealisti si multi altii.

Mișcarea „teatrul absurdului” (sau „noul teatru”) a apărut aparent la Paris ca un fenomen de avangardă asociat cu teatre mici din Cartierul Latin și, după un timp, a câștigat recunoaștere la nivel mondial.

În practică, teatrul absurdului neagă personaje realiste, situații și toate celelalte tehnici teatrale relevante. Timpul și locul sunt incerte și schimbătoare, chiar și cele mai simple relații cauzale sunt distruse. Intrigi inutile, dialoguri repetitive și conversații fără scop, inconsistență dramatică a acțiunilor - totul este subordonat unui singur scop: crearea unei stări de spirit fabuloase și poate chiar teribile.

New York Compania de teatru fără titlu nr. 61 (Compania de teatru fără titlu # 61) a anunțat crearea unui „teatru modern al absurdului”, format din producții noi în acest gen și transcrieri de comploturi clasice de către noii regizori. Alte întreprinderi includ dirijarea Festivalul operelor lui Eugene Ionesco.

„Tradițiile teatrului francez al absurdului în drama rusă există pe un exemplu rar și demn. Putem menționa pe Mihail Volokhov. Dar filosofia absurdului este absentă în Rusia până în prezent, așa că trebuie creată ".

Teatrul absurdului din Rusia

Ideile principale ale teatrului absurdului au fost dezvoltate de membrii grupului OBERIU în anii 30 ai secolului XX, adică cu câteva decenii înainte de apariția unei tendințe similare în literatura europeană occidentală. În special, unul dintre fondatorii teatrului rus al absurdului a fost Alexander Vvedensky, care a scris piesele „Minin și Pozharsky” (1926), „Dumnezeu este în jur” (1930-1931), „Kupriyanov și Natasha” (1931 ), „Pom de Crăciun la Ivanovs” (1939) etc. În plus, alte OBERIU au lucrat într-un gen similar, de exemplu, Daniil Kharms.

În drama unei perioade ulterioare (anii 1980), elemente ale teatrului absurdului pot fi găsite în piesele lui Lyudmila Petrushevskaya, în piesa „Noaptea Walpurgis sau pașii comandantului” de Venedikt Erofeev și în multe alte lucrări.

Reprezentanți

Scrieți o recenzie la articolul „Teatrul absurdului”

Note (editați)

Literatură

Martin Esslin, Teatrul absurdului (Eyre & Spottiswoode, 1962)
Martin Esslin, Drama absurdă (Penguin, 1965)
E. D. Galtsova, Surrealism și Teatru. Despre estetica teatrală a suprarealismului francez (Moscova: RGGU, 2012)

Link-uri

Arta teatrală

În 1808, împăratul Alexandru a mers la Erfurt pentru o nouă întâlnire cu împăratul Napoleon, iar în cea mai înaltă societate din Petersburg s-a vorbit mult despre măreția acestei întâlniri solemne.
În 1809, apropierea celor doi conducători ai lumii, așa cum erau numiți Napoleon și Alexandru, a ajuns la punctul în care atunci când Napoleon a declarat război Austriei în acel an, corpul rus a plecat în străinătate pentru a-l ajuta pe fostul său inamic Bonaparte împotriva fostului aliat, Împărat austriac; până la punctul că în înalta societate au vorbit despre posibilitatea unei căsătorii între Napoleon și una dintre surorile împăratului Alexandru. Dar, pe lângă considerațiile politice externe, în acest moment atenția societății ruse a fost atrasă cu deosebită claritate asupra transformărilor interne care se desfășurau în acel moment în toate părțile administrației de stat.
Între timp, viața reală a oamenilor cu interesele lor esențiale de sănătate, boală, muncă, odihnă, cu interesele lor de gândire, știință, poezie, muzică, dragoste, prietenie, ură, pasiuni, a continuat ca întotdeauna independent și în afara apropierii politice sau dușmănie cu Napoleon Bonaparte și dincolo de toate transformările posibile.
Prințul Andrey a petrecut doi ani fără pauză în sat. Toate acele întreprinderi pe nume pe care Pierre le-a început și nu le-a adus niciun rezultat, trecând constant de la un caz la altul, toate aceste întreprinderi, fără a le arăta nimănui și fără dificultăți vizibile, au fost realizate de prințul Andrew.
Avea în cel mai înalt grad acea tenacitate practică care îi lipsea lui Pierre, care, fără întindere și efort din partea sa, punea lucrurile în mișcare.
O moșie din cele trei sute de suflete ale sale de țărani a fost listată ca fermieri liberi (acesta a fost unul dintre primele exemple din Rusia), în altele corvee a fost înlocuită cu chirie. În Bogucharovo, o bunică învățată a fost externată pe cheltuiala sa pentru a ajuta femeile aflate la naștere, iar preotul i-a învățat pe copiii țăranilor și curților pentru un salariu.

Prelegerea 30. Teatru nou (drama absurdului)

Acesta este un tip de dramă modernă (așa-numitul „Teatru Nou”, inițial ignorat de public), bazat pe conceptul de alienare totală a unei persoane față de mediul fizic și social. Acest tip de piese au apărut pentru prima dată la începutul anilor 1950 în Franța, apoi s-au răspândit în Europa de Vest și Statele Unite.

Acesta este teatrul „dramei absurdului”, creat de S. Beckett, E. Ionesco, A. Adamov, care a trăit la Paris și a scris în franceză. Pe de o parte, a fost o încercare de a reînnoi structura și limbajul teatrului, iar pe de altă parte, „Teatrul Nou” a fost o reflectare a ororii provocate de atrocitățile războiului și de teama de distrugere atomică.

Rădăcinile teatrului absurdului se regăsesc în activitățile teoretice și practice ale reprezentanților unor astfel de mișcări estetice de la începutul secolului al XX-lea, cum ar fi dadaismul și suprarealismul, precum și în epoca burlescă a lui A. Jarri King I Kill (1896), în Sostsi Tiresias (1903) de G. Apollinaire, unde farsa și vodevilul sunt combinate, în piesele lui F. Wedekind cu aspirațiile iraționale ale eroilor săi. Teatrul absurdului a absorbit și elemente de clovnie, sala de muzică, comediile lui Chaplin.

Formarea dramei absurdului (antidrama) a fost influențată de teatralitatea suprarealistă: utilizarea costumelor și măștilor bizare, rimelor fără sens, apelurilor provocatoare pentru public etc. Intriga piesei, comportamentul personajelor sunt de neînțeles, similare și uneori concepute pentru a șoca publicul. Reflectând absurdul înțelegerii reciproce, al comunicării, al dialogului, jocul în toate modurile posibile subliniază lipsa de sens în limbă și care, sub forma unui fel de joc fără reguli, devine principalul purtător al haosului.

A fost o dramă conceptuală care a realizat ideile filozofiei absurdiste. Realitatea, ființa a fost prezentată ca haos. Pentru absurdiști, calitatea dominantă a ființei nu era concizia, ci dezintegrarea. A doua diferență semnificativă față de drama anterioară se referă la o persoană. O persoană într-o lume absurdă este personificarea pasivității și a neputinței. El nu poate realiza nimic altceva decât propria sa neputință. El este privat de libertatea de alegere. Absurdistii si-au dezvoltat propriul concept de drama - antidrama. În anii 30, Antonei Artaud a vorbit despre perspectiva sa asupra teatrului: respingerea descrierii personajului unei persoane, teatrul trece la o reprezentare totală a unei persoane. Toți eroii dramei absurdului sunt oameni total. Evenimentele trebuie, de asemenea, luate în considerare din punctul de vedere al faptului că sunt rezultatul anumitor situații create de autor, în cadrul cărora se deschide o imagine a lumii. Drama absurdului nu este o discuție despre absurd, ci o demonstrație a absurdului.

UNESCO UNESCO: talentul lui Eugène Ionesco s-a manifestat atât în primele sale poezii, cât și în articole critice care au dat naștere la revoluții reale și răsturnări de situație în societatea românească, dar el arde cel mai bine în activitățile sale teatrale.Eugene Ionesco este pionierul absurdismului în drama franceză.Teatrul Ionesco este un teatru de batjocură și parodie. Eugene Ionesco a urcat pe scenă și a ridiculizat golul și absurditatea lumii. Se opune vocabularului tradițional teatral. Mulți nu au înțeles acest vocabular, considerându-l lipsit de orice semnificație, numind piesele sale „prostii”. El și-a apărat însă dreptul și titlul unui dramaturg celebru al secolului nostru, lucru dovedit de numeroasele premii pe care le-a primit. În majoritatea pieselor lui Ionesco, este promovată ideea inutilității limbajului ca mijloc de comunicare.

„Realitatea ar trebui să fie îmbogățită cu absurditate, fantezie și auto-exprimare liberă a individului”, crede autorul însuși. Și cred că toată lumea va fi de acord cu asta.

Situațiile, personajele și dialogurile pieselor sale urmăresc mai degrabă imaginile și asocierile viselor decât realitatea cotidiană. Limbajul, cu ajutorul unor paradoxuri amuzante, clișee, zicători și alte jocuri de cuvinte, este eliberat de semnificațiile și asociațiile obișnuite.

Suprarealismul pieselor lui Ionesco își are originea în clovnirea circului, filme de C. Chaplin, B. Keaton, frații Marx, farsă veche și medievală. O tehnică tipică este o grămadă de obiecte care amenință să înghită actorii; lucrurile iau viață, iar oamenii se transformă în obiecte neînsuflețite.

În piesele absurdiste, catharsisul este absent, E. Ionesco respinge orice ideologie, dar piesele au fost aduse la viață de profunda îngrijorare pentru soarta limbii și a vorbitorilor săi.

Cele mai cunoscute piese ale lui Eugene Ionesco sunt „Cântărețul chel” și „Lecția”. Aceste piese denunță conservatorismul, moralitatea și ideologia lumii noastre. De la prima dată, chiar poate părea că citești prostii, dar recitind sau meditând, vei observa că nu este atât de absurd în carte, ci absurd în realitate. Pasajele benzi desenate, „absența” sensului sunt juxtapuse cu reflecții languroase asupra existenței umane, care este marcată de singurătate și moarte. Piesa „Regele este pe moarte” povestește despre aceste reflecții.

Cu toată convenționalitatea teatrului absurdului, acesta este politizat temeinic, ceea ce este dovedit în mod convingător în cea mai semnificativă creație a lui Eugene Ionesco „Rhino” (1959).Ionesco arată, de asemenea, mecanismele care facilitează stabilirea anumitor ideologii. Astfel, în piesa „Rhino”, locuitorii unui oraș mic sunt prezentați metaforic pe scenă, îngrijorați de apariția unui rinocer și se transformă treptat în el. Această piesă denunță totalitarismul.

Eugene Ionesco, ca și existențialistii J.P. Sartre și A. Camus explorează comportamentul uman într-o situație extremă, când marea majoritate a oamenilor se supun circumstanțelor și doar un singuratic găsește forța pentru confruntarea internă.

O caracteristică a pieselor lui E. Ionesco este că acestea sunt, așa cum ar fi, criptate. Uneori sunt greu de rezolvat, dar cu „Rhino” totul este clar: drama este despre fascism.

Dramaturgia lui Eugene Ionesco a ocupat un loc proeminent în procesul literar și în repertoriul teatrului francez și mondial. Cu toate acestea, acest lucru nu înseamnă deloc că absurdismul a câștigat și drama tradițională realistă a părăsit scena. O persoană obișnuită și neajutorată în viața de zi cu zi merge una împotriva tuturor.

Gloria literară la începutul anilor 1950 a adus piesa lui Ionesco „Cântăreț chel”, istoria scrisului care dezvăluie în mare măsură esența metodei sale de scriere. După ce a decis să stăpânească limba engleză în 1948, scriitorul a cumpărat o carte de autoinstruire și a descoperit brusc ce este un depozit de absurditate vorbirea noastră de zi cu zi, mai ales în raport cu realitatea. Și m-am gândit la sensul original al cuvintelor și mi-am pierdut treptat. Din juxtapunerea cuvintelor și semnificațiilor s-a născut teatrul „neplăcut” al lui Ionesco, care a fost numit ulterior absurdist.Cu toate acestea, absurdul lui Ionesco nu este o absurdizare deliberată a ființei (Ionesco însuși, de altfel, a preferat să numească direcția artistică căreia îi aparținea, teatrul paradoxului), ci expunerea finală a adevăratei sale esențe.

Premiera filmului „Cântărețul chel” a avut loc la Paris. Succesul Cântărețului chel a fost scandalos, nimeni nu a înțeles nimic, dar vizionarea pieselor absurdiste a devenit treptat o formă bună.

„Fata cheală”. În drama în sine, nu există nimeni care să arate ca o fată chelă. Fraza în sine are sens, dar în principiu nu are sens. Piesa este plină de absurd: ora 9, iar ceasul bate de 17 ori, dar nimeni din piesă nu observă acest lucru. De fiecare dată când încerci să împături ceva, nu se termină în nimic.

În anti-joc (aceasta este denumirea genului), nu există deloc un cântăreț chel. Dar există cuplul englez Smith și vecinul lor pe nume Martin, precum și slujnica Mary și căpitanul pompierilor, care au căzut accidental pentru un minut la Smiths. Îi este frică să întârzie la foc, care va începe la astfel de ore și câteva minute. Există, de asemenea, un ceas care bate după bunul plac, ceea ce înseamnă, aparent, că timpul nu se pierde, pur și simplu nu există, fiecare este în dimensiunea sa de timp și poartă, în consecință, o prostie.

Dramaturgul are mai multe tehnici de bătătorire a absurdului. Există confuzie în secvența evenimentelor și o grămadă de aceleași nume și nume de familie, și nerecunoașterea soților de către soți și castlingul de gazde-oaspeți, oaspeți-gazde, nenumărate repetări ale aceluiași epitet, un flux de oximoroni, o construcție clar simplificată a frazelor ca în manualul englez pentru începători. Pe scurt, dialogurile sunt cu adevărat amuzante.

Samuel BECKET: Beckett a fost secretarul lui Joyce și a învățat să scrie cu el. „Așteptarea lui Godot” este unul dintre textele de bază ale absurdismului. Piesa lui Beckett Așteptând anul, pusă în scenă în 1952, este cea mai faimoasă piesă din teatrul absurdului, reprezentând o viață lipsită de sens. Diferența fundamentală dintre piesa lui B. față de dramele anterioare care rupeau tradițiile teatrului psihologic este că nimeni nu și-a propus anterior să pună în scenă „nimic”. B. vă permite să vă dezvoltați în joc cuvânt cu cuvânt, în ciuda faptului că conversația începe dintr-o dată și nu ajunge la nimic, de parcă personajele știau inițial că nu va funcționa să fie de acord cu nimic, că un joc de cuvinte este singura opțiune pentru comunicare și convergență. Dialogul devine un scop în sine. Dar piesa are și o anumită dinamică. Totul se repetă, schimbându-se suficient pentru a încălzi așteptările publicului de un fel de schimbare.

Entropia (eliberarea energiei într-o reacție, un termen chimic) este prezentată într-o stare de așteptare, iar această așteptare este un proces, al cărui început și sfârșit nu îl cunoaștem, adică nu are nici un sens. Starea de așteptare este dominantă în care există eroii, în timp ce nu se gândește dacă este necesar să îl aștepți pe Godot. Sunt într-o stare pasivă.

Piesa Waiting for Godot este una dintre acele lucrări care au influențat apariția teatrului secolului al XX-lea în ansamblu. Beckett refuză în mod fundamental orice conflict dramatic, argumentul familiar spectatorului. Personajele piesei - Vladimir (Didi) și Estragon (Gogo) - arată ca doi clovni, neavând nimic de făcut, care se distrează reciproc și în același timp publicul. Nu acționează, ci imită un fel de acțiune. Aceasta nu vizează dezvăluirea psihologiei personajelor. Acțiunea nu se dezvoltă liniar, ci se mișcă în cerc, agățându-se de refrenele pe care le generează o replică căzută accidental. Nu numai replicile sunt repetate, ci și pozițiile. La începutul Actului 2, copacul, singurul atribut al peisajului, este acoperit cu frunze, dar esența acestui eveniment eludează personajele și spectatorii. Acesta nu este un semn al primăverii, mișcarea progresivă a timpului. Mai degrabă, subliniază falsitatea așteptărilor.

Eroii (Volodya și Tarragon) nu sunt complet siguri că îl așteaptă pe Godot chiar în locul în care au nevoie. Când a doua zi după noapte ajung în același loc la copacul ofilit, Tarragon se îndoiește că este același loc. Setul de obiecte este același, doar copacul a înflorit peste noapte. Cizmele lui Tarragon, pe care le-a lăsat ieri pe drum, se află în același loc, dar susține că sunt mai mari și de altă culoare.

Piesa este văzută ca chintesența lui Beckett: în spatele dorului și ororii existenței umane în forma sa cea mai inestetică, apare o ironie inevitabilă. Personajele din piesă amintesc de frații Maris, marii comedieni ai filmelor mut.

În așteptarea lui Godot. rezumat

Drum de țară, câmpuri nesfârșite, aproape un deșert, a cărui monotonie este spartă doar de un singur copac. Aproape nu există frunze pe copac. Există doi vagabonzi la piciorul său.

Tarragon, încercând fără succes să se descalțe, și prietenul și fratele său Vladimir. El este îngrijorat de întrebarea care dintre cei patru evangheliști a spus adevărul despre cei doi tâlhari răstigniți. O serie de fraze banale lipsite de orice semnificație, care sunt schimbate numai pentru a reînvia liniștea acestui loc plictisitor. Singurul lucru care îi ține aici este promisiunea unui anumit Godou de a veni. Ce pot face în așteptare, dacă nu pentru a ucide timpul, timpul nesfârșit care trebuie umplut cu argumente goale și, în același timp, se prefac că le iau la inimă ... Ei înșiși nu știu de ce sunt împreună, sunt obișnuit să se despartă și să se întâlnească în fiecare zi în același loc. Zgomot undeva în cealaltă direcție, un strigăt cumplit ... Nu vine Godou? Tarhonul lasă morcovul pe care l-a mestecat anterior, îl îngheață, se repede spre ...

Apar Pozzo și Luke. Acesta din urmă are o frânghie la gât, el poartă valizele stăpânului său. Pozzo, biciul în mână, își tratează sclavul în același mod în care animalele nu sunt tratate. Și dacă Vladimir și Estragon sunt aici, de ce să nu ne oprim și să fumăm o pipă? Va ucide timpul și lui Pozzo îi place să vorbească. El explică că urmează să-l vândă pe Luke, care nu mai este bun pentru nimic. El nu poate decât să gândească. În plus, poartă cu el dacă îl împingi. În cele din urmă, este suficient să-și scoată pălăria pentru ca el să devină din nou un animal, un simplet. Ei stau destul de mult timp, apoi pleacă cu o explozie.

Ce să fac? Părăsi? Nu, a promis că vei veni, trebuie să-l aștepți. Resemnați la soartă, Vladimir și Estragon încearcă să discute despre evenimentele nesemnificative care au marcat ziua, dar nu au puterea, sunt obosiți să joace cu succes o comedie de interes imaginar.

Din spatele perdelelor se aude o voce: „Domnule (...)”. Un copil vine și spune că Godot nu va veni, ca în serile anterioare, dar cu siguranță va fi mâine. Mâine vine, toate aceleași dialoguri fără sens, fără sens, o repetare a conversației de ieri, și poate alaltăieri și zilnic. Luke și Pozzo reapar, au îmbătrânit; Pozzo este orb, iar Luke este și mai lipsit de valoare, este prost. Dar frânghia este încă acolo, puțin mai scurtă, astfel încât Pozzo să-și poată urma sclavul, care acum poartă o pălărie nouă.

La vederea lui Vladimir și Estragon, Luke face o lovitură ascuțită și cade, trăgându-l pe Pozzo împreună cu el. Pozzo cere ajutor, cine este cu adevărat amuzant! În plus, pierde timpul. Doi vagabonzi se năpustesc asupra lui Pozzo, îl dau cu piciorul, îl ridică - la urma urmei, trebuie să te distrezi, să vorbești ... În ceea ce-l privește pe Godot, el trimite din nou scuze, va veni mâine; poate că ieșirea este să te agăți de un copac de pe brâul Tarragonului? Dar centura se rupe ...

Și ce dacă! Se vor întoarce mâine cu o frânghie bună și, dacă vine Godou brusc, vor fi salvați ...

STOPPARD: „Rosencrantz și Guildenstern au murit” - iată o trăsătură caracteristică a literaturii engleze: britanicii erau conștienți de istoria lor, fiecare scriitor se simte ca parte a acestei tradiții. Această piesă are 2 lecturi: 1) fie acțiunea are loc după moartea lui Rosencrantz și Guildenstern; 2) fie că totul pare lui Rosencrantz și Guildenstern. Dar piesa se bazează pe gândirea shakespeariană. Nu există nimic în replicile eroilor care să ne permită să distingem unul de altul. Stoppard folosește această caracteristică. În centrul piesei se află întrebarea „care dintre noi este Rosencrantz și cine este Guildenstern?” Acestea sunt 2 ființe umane care au nume care se deosebesc una de alta. Pentru ei, să înțeleagă cine este cine înseamnă o oportunitate de a ieși în evidență, de a-și găsi „eu-ul” lor. Dar, conform teoriei absurdismului, acest lucru este imposibil, așa că absurdistii nu dau nume eroilor lor. Omului nu i se dă să-și separe „eu-ul” de haos.

Cele de mai sus, în opinia noastră, oferă motive pentru a afirma că este inadecvat să vorbim despre orice criză, cel puțin în raport cu teatrul secolului al XX-lea. Adevărat, nu se poate ignora un fenomen al secolului XX, care poate fi considerat o manifestare a crizei, dar nu și al culturii. Creșterea bunăstării datorită revoluției științifice și tehnologice a majorității covârșitoare a populației europene, stabilirea tendințelor democratice în viață a dus la puterea reală în această viață a majorității necreative, incapabilă să trăiască cu ideile și idealuri ale culturii adevărate, incapabile să se ridice deasupra lumii vieții de zi cu zi, iar acest antielitism al majorității populației nu a fost orientat spre creativitate, cultural distructiv.

O manifestare a acestei tendințe, începând cu anii 60 ai secolului XX. în toată Europa, inclusiv în Franța, este dezvoltarea spectacolului. Circulația în masă a discurilor, casete „disco”, „folk”, muzică „rock”, de dimineață până seara, zăngănind în căștile tranzistoarelor, însoțesc peste tot băieții și fetele1.

Totuși, odată cu răspândirea spectacolului și a altor fenomene negative în viața spirituală a Europei în secolul XX. cultura care ridică o persoană continuă să existe și să se dezvolte, care este criteriul autenticității acesteia, indiferent de gen.

Căutați noi forme teatrale

În ultimele două decenii, viața teatrală din Franța, precum și din Europa în ansamblu, a devenit mai diversă. Numai în Paris există în prezent peste 50 de teatre, în care spectatorul poate găsi spectacole pentru fiecare gust: de la creațiile eterne ale clasicilor - Shakespeare, Corneille, Racine, Cehov - în „Comedie Francaise” și „Odeon” până la dramaturgi moderni Beckett și Ionesco în teatre de avangardă și comedii pline de spirit în „teatrele bulevardelor”. În fiecare an în Avignon, Orange, Nimes și alte orașe din Franța, festivalurile de teatru se desfășoară în arene romane antice sau în castele medievale, atrăgând mii de spectatori din multe țări.

Astfel de evenimente spectaculoase se practică în Italia: pe ruinele Forumului, Colosseumul, Băile Termale din Caracalla, au loc spectacole uimitoare, punerea în scenă a operelor italiene clasice pe subiecte antice. Astfel, punerea în scenă a operei lui Verdi Aida în băile din Caracalla creează un sentiment captivant al prezenței spectatorului în grosul evenimentelor.

Toate acestea sunt o căutare de noi forme teatrale disponibile pentru masa spectatorilor. Un exemplu al unei astfel de combinații de masă și clasici sunt spectacolele grandioase ale lui R. Ossein la Palatul Sporturilor din Paris, cu spectacolele Catedrala Notre Dame, Danton și Robespierre, Omul din Nazaret și Battleship Potemkin.

Claude Carrer, în colaborare cu celebrul regizor englez Peter Brook, a pus în scenă epoca indiană antică „Mahabharata” la teatrul Boof du Nord din Paris. Scara acestei spectacole este evidențiată de faptul că a durat fie trei seri, fie timp de douăsprezece ore la rând de la 12 la 12 la 12. Spectatorii, veniți din multe țări europene, au aprovizionat termos cu cafea și sandvișuri și „au izbucnit eroic până la capăt”, așa cum au scris ziarele pariziene în 1986, când a avut loc această reprezentație.

1 Medicii observă o creștere a tulburării datorită acestui motiv al aparatului auditiv la tineri.

Privind spectacolele unor dramaturgi, de exemplu, Eugene Ionesco, se poate întâlni față în față cu un astfel de fenomen în lumea artei precum teatrul absurdului. Pentru a înțelege ce a contribuit la apariția acestei tendințe, trebuie să vă îndreptați către istoria anilor 50 ai secolului trecut.

Ce este teatrul absurdului (drama absurdului)

În anii 50, au apărut pentru prima dată spectacole, a căror complot părea absolut lipsit de sens pentru public. Piesa principală a constat în înstrăinarea unei persoane de mediul social și fizic. În plus, în timpul acțiunii de pe scenă, actorii au reușit să combine concepte incompatibile.

Noile piese au distrus toate legile dramei și nu au recunoscut nicio autoritate. Astfel, toate tradițiile culturale au fost contestate. Acest nou fenomen teatral, care într-o oarecare măsură a negat ordinea politică și socială existentă, a fost teatrul absurdului. a fost folosit pentru prima dată de criticul de teatru Martin Esslin abia în 1962. Dar unii dramaturgi nu au fost de acord cu acest termen. De exemplu, Eugene Ionesco a sugerat numirea noului fenomen „teatrul ridicolului”.

Istorie și surse

Câțiva autori francezi și un irlandez au stat la originea noii direcții. Eugene Ionesco a reușit să câștige cea mai mare popularitate în rândul publicului, iar Arthur Adamov și-a adus contribuția și la dezvoltarea genului.

Ideea teatrului absurdului a venit mai întâi în mintea lui E. Ionesco. Dramaturgul a încercat să învețe limba engleză folosind un manual de auto-studiu. Atunci a atras atenția asupra faptului că multe dialoguri și observații din manual sunt absolut incoerente. El a văzut că în cuvintele obișnuite există o mulțime de absurditate, care adesea transformă chiar și cele inteligente în cele complet lipsite de sens.

Cu toate acestea, nu ar fi deloc corect să spunem că doar câțiva dramaturgi francezi au fost implicați în apariția unei noi direcții. La urma urmei, existențialistii au vorbit despre absurdul existenței umane. Pentru prima dată, această temă a fost pe deplin dezvoltată de A. Camus, iar F. Dostoievski a avut o influență semnificativă asupra operei sale. Cu toate acestea, E. Ionesco și S. Beckett au fost cei care au desemnat și adus pe scenă teatrul absurdului.

Caracteristicile noului teatru

După cum sa menționat deja, noua direcție în arta teatrală a respins drama clasică. Trăsăturile caracteristice generale pentru el sunt:

Elemente fantastice care coexistă cu realitatea în piesă;

Apariția genurilor mixte: tragicomedie, melodramă comică, tragedie - care a început să înlocuiască „purul”;

Utilizarea în spectacole a elementelor caracteristice altor tipuri de artă (refren, pantomimă, muzicală);

Spre deosebire de acțiunea dinamică tradițională pe scenă, așa cum a fost anterior în producțiile clasice, statica predomină în noua direcție;

Una dintre principalele schimbări care caracterizează teatrul absurdului este discursul personajelor noilor producții: se pare că comunică cu ei înșiși, deoarece partenerii nu ascultă și nu răspund la remarcile celorlalți, ci își exprimă pur și simplu monologuri în gol.

Tipuri de absurd

Faptul că noua direcție din teatru a avut mai mulți fondatori simultan explică împărțirea absurdului în tipuri:

1. Absurdul nihilist. Acestea sunt lucrările cunoscutilor E. Ionescu și Hildesheimer. Piesele lor se disting prin faptul că publicul nu reușește să înțeleagă implicațiile jocului pe parcursul întregii reprezentații.

2. Al doilea fel de absurd reflectă haosul universal și, ca una dintre părțile sale principale, omul. În acest sens, au fost create lucrările lui S. Beckett și A. Adamov, care au căutat să sublinieze lipsa de armonie în viața umană.

3. Absurdul satiric. După cum sugerează și numele, reprezentanții acestei tendințe Dürrenmatt, Grass, Frisch și Havel au încercat să ridiculizeze absurdul ordinii lor sociale contemporane și a aspirațiilor umane.

Lucrări cheie ale teatrului absurdului

Publicul a aflat ce este teatrul absurdului după ce a avut loc la Paris premiera Cântărețului chel de E. Ionesco și Waiting for Godot de S. Beckett.

O trăsătură caracteristică a producției lui Bald Singer este că cea care ar fi trebuit să fie personajul principal nu apare niciodată pe scenă. Există doar două cupluri căsătorite pe scenă, ale căror acțiuni sunt complet statice. Discursul lor este inconsistent și plin de clișee, care reflectă în continuare imaginea absurdului lumii din jurul lor. Astfel de linii incoerente, dar absolut tipice, sunt repetate de eroi de nenumărate ori. Limbajul, care prin natura sa este conceput pentru a facilita comunicarea, îl împiedică doar în piesă.

În piesa lui Beckett Waiting for Godot, două personaje complet inactive se așteaptă constant la un anumit Godot. Nu numai că acest personaj nu apare niciodată pe parcursul întregii acțiuni, ba mai mult, nimeni nu îl cunoaște. Este de remarcat faptul că numele acestui erou necunoscut este asociat cu cuvântul englez Dumnezeu, adică "Dumnezeu". Eroii își amintesc fragmente incoerente din viața lor, în plus, nu rămân cu un sentiment de frică și incertitudine, pentru că pur și simplu nu există nicio modalitate de acțiune care să poată proteja o persoană.

Astfel, teatrul absurdului dovedește că sensul existenței umane poate fi găsit doar înțelegând că nu are sens.